los sentidos
  • img-book

    Con “Estética de laboratorio” Reinaldo Laddaga continúa y profundiza las investigaciones, ideas y teorizaciones de su ensayo anterior, “Estética de la emergencia”

    A pesar de la incesante variedad de prácticas que pueblan el variabilísimo presente, pueden proponerse generalizaciones que permitan agudizar nuestras observaciones y refinar nuestras ideas sobre lo que constituye la singularidad de las artes de estos años. Tales suposiciones están en el punto de partida de este libro.


  • img-book

    Nos encontramos en una fase de cambio de cultura en las artes comparable, extensión y profundidad, a la transición que tenía lugar entre finales del siglo XVIII y mediados del XIX. El proceso decisivo de los últimos años en el universo de las artes es la formación de una cultura diferente a la moderna y a sus estribaciones posmodernas. Un signo particularmente elocuente de este proceso es la proliferación de iniciativas de artistas destinadas a facilitar la participación de grandes grupos de personas muy diversas en proyectos donde se asocia la realización de ficciones o de imágenes con la ocupación de espacios locales y la exploración de formas experimentales de socialización. Estamos ante nuevas ecologías culturales. Estos proyectos articulan ideas e instituciones, imaginarios y prácticas, modos de vida y objetos, nuevas formas de intercambio y demás procesos que la tradición inmediata no permitía anticipar. Estética de la emergencia aporta elementos para una lectura de esta reorientación de las artes; de esta transición en el curso de la cual un número creciente de artistas reaccionan al evidente agotamiento del paradigma moderno. A partir de la descripción y el análisis de algunas de estas experiencias, Reinaldo Laddaga propone un inventario de esta nueva cultura y la vincula a procesos más vastos de modificación de las formas de activismo político, producción económica e investigación científica que definen, en su novedad, al presente


  • img-book

    Durante la década de 1990 las obras de Marcelo Pombo fueron consideradas emblema de una movida artística que intentaba derrocar la gravedad del arte político y las ínfulas del neoconceptualismo a través de una idea de belleza que muchos tildaron de banal y decorativa. Aquí se presenta por primera vez el arco completo que la obra del artista ha trazado hasta la fecha: desde una temprana época de rebeldía underground, pasando por una manualidad obsesiva y melancólica hasta los hipnóticos y demenciales esmaltes de 2006. Este es el primero de una serie de libros sobre artistas contemporáneos argentinos, publicada por Adriana Hidalgo editora en colaboración con Ruth Benzacar Galería de Arte.


  • img-book

    Protagonista del llamado “arte argentino de los noventa”, Pablo Siquier realizó su obra de la última década profundizando las posibilidades compositivas y lógicas que avizoró a fines de los años ochenta: las de una geometría que le escapa a su propio orden. Ningún artista de su generación es más riguroso y obsesivo, y ninguno se dedicó a un campo de juegos pictóricos tan delimitado. Sólo recientemente el propio Siquier advirtió que, en el fondo, pinta el mismo cuadro desde hace más de veinte años. En la entrevista con Leopoldo Estol, Siquier habla de los cambios que se fueron produciendo en el circuito artístico local desde fines de la década del ochenta hasta la actualidad, analiza las diferentes etapas de su trabajo y los sistemas de representación que empleó en cada una, además de reflexionar sobre algunas ideas centrales del arte del siglo XX. En su ensayo, Damián Tabarovsky define la obra de Siquier como una geometría imperfecta afectada por una historia precisa: la de la abstracción geométrica de las vanguardias históricas. En ese sentido, la obra se constituye a la vez como testimonio de la historia del arte de las últimas décadas, y como pintura después del fin del arte (o búsqueda moderna después de lo moderno). De ese “post” de la obra de Siquier, sostiene Tabarovsky, nace una pintura cuya naturaleza inestable, incluso desquiciada, resulta de la imposibilidad de resolver la tensión de opuestos de la que está hecha. En diálogo con esta interpretación, Claudio Iglesias revisa el debate crítico que se dio en torno a la obra de Siquier durante los años noventa y, a partir de allí, plantea la hipótesis de que es en el trascendentalismo de la proyectación donde la obsesión que Siquier demuestra por el diseño le contesta, bajo las formas de lo monstruoso y de lo muerto, al idealismo funcionalista de ciertas vanguardias (el arte concreto, entre ellas).


  • img-book

    En este libro se reúnen los textos programáticos, manifiestos y declaraciones de principios de la historia del arte argentino moderno y contemporáneo. Desde los protomanifiestos iniciales y antecedentes del siglo veinte pasando por las vanguardias con sus manifiestos propiamente dichos, hasta llegar a los artistas y grupos más actuales.
    Manifiestos argentinos no sólo analiza e investiga la propia figura ideológica, estética y política del manifiesto como tal, sino también su función y cambios a lo largo de cien años. A través del libro, donde queda demostrado que las artes visuales son también un terreno de disputas que exceden el terreno artístico, se puede leer además cómo a lo largo del siglo xx el arte ha sido tomado, según cada momento histórico, como herramienta pedagógica, como arma política, como juego de colores y formas, como expresión estetizante, como pura discursividad, como parte de otros campos de la cultura, como ejercicio autorreferencial, como utopía social, entre otras variantes.
    Los textos de Fernando Fader y Martín Malharro, Xul Solar y Emilio Petorutti, Lucio Fontana, Antonio Berni y Tomás Maldonado son sólo algunos de los que van construyendo, de manera inteligente y polémica, esta historia de las disputas y programas artísticos: las políticas de lo visual del arte argentino del siglo xx.


  • img-book

    Al margen de toda corriente estética, entendido por la crítica a la vez como un artista que retomó la tradición del arte concreto en la Argentina, como puro formalista o excéntrico cabalista, Fabio Kacero ha creado una obra que puede absorber discursos ajenos y esquivarlos al mismo tiempo. Hasta hace unos años, el artista era más conocido por un conjunto de enormes e impenetrables acolchados y una serie de diminutas e íntimas cajitas de transparencias. Sólo unos pocos habían tenido acceso a un archivo de trabajos que, en su vastedad y riqueza, ponían en jaque varios de los presupuestos que hasta entonces se habían esbozado sobre su obra. Por primera vez, este libro presenta un panorama de su inagotable producción. Aquí están sus tempranos paneles minimalistas, sus envoltorios, sus capitonés, pero también su producción más secreta, esa que sólo en los últimos años ha comenzado a asomar: sus Lenf, sus videos, su interés por la literatura, y la que es quizás la actitud que completa su obra: sus performances. Porque si hay un artista en la Argentina que en la década del noventa parece haber entrelazado vida y obra al punto tal que ya no se distingue dónde termina el hombre y dónde empieza su creación, ese es Fabio Kacero.


  • img-book

    “La estética nazi” ofrece un exhaustivo recorrido por el interior del mito del nacional-socialismo; examina sus metáforas y da cuenta de su estructura. Según Éric Michaud, ese mito apeló a dos grandes modelos: el arte y el cristianismo. El propio Hitler se presentaba como el “Cristo alemán” y como el “artista de Alemania” y asimilaba el trabajo a la actividad artística con la expresión “trabajo creador”.condición de artista del Führer, la visibilidad del genio y su reproducción, las imágenes de la temporalidad nazi, el estatuto de la experiencia vivida en el ámbito de la pintura, las intersecciones entre artistas, trabajadores y soldados, la incidencia doctrinaria –y sus conflictivas relaciones– de figuras como las de Gottfried Benn y Richard Wagner; todo ese arco es recorrido por el apasionante ensayo de Michaud, a 70 años del comienzo de la Segunda Guerra Mundial.


  • img-book

    La obra del artista argentino Beto De Volder puede ser vista como una legítima heredera de la tradición inaugurada por el abstraccionismo rioplatense. Las relecturas de su producción siguen dando consenso para decir que se remite a las vanguardias de los años cuarenta con un sólido anclaje contemporáneo.

    La publicación se organiza a partir del esquema con el que el propio De Volder explica e ilustra su trabajo: un diagrama de conjuntos con el dibujo en el centro, como génesis de un sinfín de series y variaciones. Por su naturaleza expansiva y continua, por la inestabilidad y complejidad de sus formas, por combinar citas del mundo pop con citas de la historia del arte, el diagrama funciona como síntesis y llave del universo De Volder. Beto De Volder abandonó el ambiente artístico en 1996. En lo que iba de la década, había ya participado de los espacios más relevantes para su generación. Pero, dentro de una escena que se estaba despidiendo de los últimos resabios del expresionismo y abrazaba la causa neoconceptual, De Volder de cansó de la exigencia de tener que justificar una y otra vez su trabajo. Retomó entonces el dibujo, que ya había aparecido en sus primeras obras para convertirlo en el núcleo de su producción.


  • img-book

    Quienes vienen siguiendo la carrera de Ernesto Ballesteros parecen acostumbrados a que, en cada exposición o evento que organiza, encontrarán algo completamente distinto de lo último que vieron. Quienes no lo conocen, quizás nunca asociarían dos de sus obras al mismo artista. Desde el cómic a la pintura, desde la pintura al dibujo, y de ahí a la fotografía, la organización de juegos, campeonatos, sesiones de peluquería y otra vez al dibujo, Ernesto Ballesteros ha investigado las posibilidades que el arte le ofrecía para decidirse por un absoluto rechazo a la necesidad de elegir.


  • img-book

    Figura esencial en la articulación del arte de los ochenta con el de los noventa, docente de artistas desde hace más de tres décadas, pintora de género y materializadora de objetos, muestras y diccionarios colectivos, Diana Aisenberg es una personalidad indiscutiblemente influyente en el arte argentino de las últimas décadas. Sin embargo, hasta ahora, el cuerpo de obra que produjo, tan numeroso como complejo, permanecía oculto detrás de su enérgica función de educadora.


  • img-book

    “El Siluetazo” es la más recordada práctica artístico-política que proporcionó una potente visualidad en el espacio público al movimiento de derechos humanos a fines de la última dictadura argentina.

    En este volumen se reúne por primera vez una serie de documentos (escritos y fotográficos),testimonios e interpretaciones hasta ahora dispersos o inéditos. Los materiales y los registros de escritura son notoriamente polifónicos y no apuestan a un relato único. Configuran, más bien, un collage aún por completarse, ejercicios de una memoria en conflicto.


  • img-book

    The Bomarzo Affair: así llama el embajador norteamericano, en sus despachos confidenciales, al escándalo desatado en julio de 1967 por la exclusión de la ópera de Alberto Ginastera y Manuel Mujica Lainez, del repertorio del Teatro Colón. En la historia del duque jorobado, ambientada en el Renacimiento italiano, y estrenada poco antes en Washington con apoyo oficial, el gobierno del general Onganía ha descubierto una “referencia obsesiva al sexo, la violencia y la alucinación”, y el arzobispo de Buenos Aires, cardenal Caggiano, una “visión horrenda de abyecciones morales que no quiero nombrar”. La investigación de Buch (narrada como una crónica) simultáneamente indaga sobre la estética, la música, las fuentes y las citas de la ópera propiamente dicha, mientras establece un cuadro del funcionamiento del poder autoritario. Es también un mapa ideológico e intelectual del Estado, la opinión pública, la prensa y la “Intelligentsia” argentina de la década del sesenta, que en muchos casos aún pervive en los pliegues y repliegues del poder. De Leopoldo Torre Nilsson a Luigi Nono, pasando por la Academia de Bellas Artes, artistas e intelectuales se movilizan contra la censura –en vano, pues en la Argentina la obra se estrenará recién en 1972. Pero el episodio lograría provocar, paradójicamente, no sólo un deseo irrefrenable de ver la ópera prohibida, sino también un gran debate sobre las relaciones entre el arte, el sexo, la moral y el Estado. Así, más allá de las intenciones de sus creadores, poco predispuestos al rol de artistas malditos, el duque de Bomarzo, rodeado por los monstruos de piedra de su vida sexual, se convierte en un extraño personaje de la historia nacional. En torno a él se despliega un diálogo entre ópera, perversión y dictadura, que aún continuaría en 1984, cuando se reponga la obra para celebrar el retorno de la democracia.


  • img-book

    “El mundo de Wagner” nos ofrece la oportunidad de recorrer su vida y su obra, a través de los testimonios, impresiones y recuerdos de quienes mejor lo conocieron.

    “El mundo de Wagner” es una biografía coral y caleidoscópica, rica y contradictoria, con múltiples puntos de vista, de más de sesenta personalidades, familiares, colegas, amigos y enemigos, como Robert Schumann, Friedrich Nietzsche, Auguste Renoir, la reina Victoria, Meyerber, Ludwig II de Baviera o Engelbert Humperdinck. Con estos relatos vívidos de sus contemporáneos se recupera la inmediatez que se fue perdiendo en todos los libros y estudios posteriores sobre su vida y obra.


  • img-book

    Descubrir al verdadero Satie detrás de su imagen pública, cuidadosamente cultivada, es una tarea difícil. Incluso esta imagen exterior era contradictoria: el personaje vestido de pulcro funcionario burocrático era al mismo tiempo un insobornable iconoclasta en su arte, que con la máscara de bufón ocultaba al compositor serio y al riguroso profesional. Satie, íntimo amigo de Debussy, en este libro es retratado por sus amigos y conocidos como un auténtico genio incomprendido, alcohólico –murió de cirrosis a los 59 años–, de humor corrosivo, comportamiento infantil y temperamento explosivo, que se llevaba tan bien con plomeros como con poetas y princesas. Al mismo tiempo era un gran conversador, cortés y excesivamente educado y moralista.


  • img-book

    “Ningún compositor ejerció sobre la música del siglo veinte -dice Norman Lebrecht- una influencia mayor que Gustav Mahler; ninguno puso más de sí mismo en su música. Estas verdades resultan tan inseparables como evidentes.” El mundo de Mahler reúne de manera exhaustiva todo el material mahleriano, incluyendo testimonios y documentos hasta ahora desconocidos, que se complementan con introducciones y notas. El resultado es tan iluminador, apasionado, dramático y por momentos tan contradictorio que produce un efecto sumamente vívido. Aquí hablan de la vida y al obra de Mahler sus colegas, discípulos, familiares, amigos, rivales y enemigos; Richard Strauss, Peter Tchaicovsky, Alma Mahler, Arnold Schoenberg, Anton von Webern, Romain Rolland, Jean Sibelius, Alban Berg, Sergei Rachmaninov, Sigmund Freud, Stefan Zweig y Thomas Mann, entre muchos otros. “Gustav Mahler era un mártir, un santo, uno de los hombres m[as grandes que han existido. No se trata de si era buen o mal; compositor. Los grandes hombres hacen todo de una única e idéntica manera: con grandeza.” Arnold Schoenberg El mundo de Mahler es el segundo título de la colección iniciada con El mundo de Ravel, una serie de investigaciones, tan rigurosas como entretenidas, sobre los grandes compositores desde el siglo XVII hasta el XX. Cada volumen reúne testimonios de primera mano, opiniones, críticas, textos fragmentarios, cartas, citas de diarios, revistas y de las más variadas fuentes éditas e inéditas. La suma de recuerdos de familiares, amigos y colegas se van enlazando en una estructura y un montaje que permiten leerlos como un asedio biográfico, estético e histórico, sumamente vívido. Cada libro de la serie reconstruye la vida, la personalidad, la concepción musical y el tiempo de los compositores. Además se ofrece una cronología completa del músico y su contexto cultural. Se trata de libros accesibles que constituyen una lectura esencial, no sólo para amantes de la música, estudiantes y profesores, sino también para quienes deseen conocer profundamente el mundo de cada compositor.


  • img-book

    “Ningún compositor ejerció sobre la música del siglo veinte -dice Norman Lebrecht- una influencia mayor que Gustav Mahler; ninguno puso más de sí mismo en su música. Estas verdades resultan tan inseparables como evidentes.” El mundo de Mahler reúne de manera exhaustiva todo el material mahleriano, incluyendo testimonios y documentos hasta ahora desconocidos, que se complementan con introducciones y notas. El resultado es tan iluminador, apasionado, dramático y por momentos tan contradictorio que produce un efecto sumamente vívido. Aquí hablan de la vida y al obra de Mahler sus colegas, discípulos, familiares, amigos, rivales y enemigos; Richard Strauss, Peter Tchaicovsky, Alma Mahler, Arnold Schoenberg, Anton von Webern, Romain Rolland, Jean Sibelius, Alban Berg, Sergei Rachmaninov, Sigmund Freud, Stefan Zweig y Thomas Mann, entre muchos otros. “Gustav Mahler era un mártir, un santo, uno de los hombres m[as grandes que han existido. No se trata de si era buen o mal; compositor. Los grandes hombres hacen todo de una única e idéntica manera: con grandeza.” Arnold Schoenberg El mundo de Mahler es el segundo título de la colección iniciada con El mundo de Ravel, una serie de investigaciones, tan rigurosas como entretenidas, sobre los grandes compositores desde el siglo XVII hasta el XX. Cada volumen reúne testimonios de primera mano, opiniones, críticas, textos fragmentarios, cartas, citas de diarios, revistas y de las más variadas fuentes éditas e inéditas. La suma de recuerdos de familiares, amigos y colegas se van enlazando en una estructura y un montaje que permiten leerlos como un asedio biográfico, estético e histórico, sumamente vívido. Cada libro de la serie reconstruye la vida, la personalidad, la concepción musical y el tiempo de los compositores. Además se ofrece una cronología completa del músico y su contexto cultural. Se trata de libros accesibles que constituyen una lectura esencial, no sólo para amantes de la música, estudiantes y profesores, sino también para quienes deseen conocer profundamente el mundo de cada compositor.


  • img-book

     

    El mundo de Gershwin es el tercer título de la colección iniciada con El mundo de Ravel y El mundo de Mahler; una serie de investigaciones, tan rigurosas como entretenidas, sobre los grandes compositores de la modernidad. Cada volumen reúne testimonios de primera mano, opiniones, críticas, textos fragmentarios, cartas, citas de diarios, revistas y de las más variadas fuentes éditas e inéditas. La suma de recuerdos de familiares, amigos y colegas se van enlazando en una estructura y un montaje que permiten leerlos como un asedio biográfico, estético e histórico, sumamente vívido. Sobre Gershwin ofrecen su testimonio Ira Gershwin, Fred Astaire, Arnold Schoenberg, Ralph Vaughan Williams, Paul Whiteman y Jerome Kern, entre otros. Cada libro de la serie reconstruye la vida, la personalidad, la concepción musical y el tiempo de los compositores. Además se ofrece una cronología completa del músico y su contexto cultural. Se trata de libros accesibles que constituyen una lectura esencial, no sólo para amantes de la música, estudiantes y profesores, sino también para quienes deseen conocer profundamente el mundo de cada compositor.


  • img-book

    Compositor genial, aristocrático y antiburgués, Achille-Claude Debussy murió en 1918, a los 55 años, mientras París era bombardeada, durante la Primera Guerra Mundial. Fue el autor de varias de las mejores y mas refinadas e influyentes obras del repertorio universal, como Claro de luna, Preludio a la siesta de un fauno, Nocturnos o El mar. Escribió también admirables sonatas, preludios y un cuarteto de cuerdas. Debussy fue un escéptico y un misántropo, de personalidad compleja y contradictoria. Como a Ravel no le gustaba hablar sobre música, aunque a sus íntimos les confesó que admiraba la obra de Chopin, Schuman y Bach y detestaba a Wagner y a Beethoven. Este volumen de Roger Nichols- autor de El mundo de Ravel, publicado por Adriana Hidalgo editora- es producto de una minuciosa investigación, que reúne relatos iluminadores sobre al vida y la obra de Debussy -incluidos testimonios y documentos que se complementan con introducciones y notas-, tomados de quienes mejor lo conocieron: Erik Satie, Paul Dukas, Colette, Igor Stravinsky, Marguerite Long, Ricardo Viñes, Darius Milhaud y Ernest Ansermet, entre otros. El mundo de Debussy es el cuarto título de la colección iniciada con El mundo de Ravel, El mundo de Mahler y El mundo de Gershwin; una serie de investigaciones, tan rigurosas como entretenidas, sobre los grandes compositores de la modernidad. Cada volumen reúne testimonios de primera mano, opiniones, críticas, textos fragmentarios, cartas, citas de diarios, revistas y de las más variadas fuentes éditas e inéditas. La suma de recuerdos de familiares, amigos y colegas se van enlazando en una estructura y un montaje que permiten leerlos como un asedio biográfico, estético e histórico, sumamente vívido. Sobre Debussy ofrecen su testimonio, Bela Bartok, Colette, Erik Satie, Paul Dukas, Igor Stravinski, entre otros. Cada libro de la serie reconstruye la vida, la personalidad, la concepción musical y el tiempo de los compositores. Además se ofrece una cronología completa del músico y su contexto cultural. Se trata de libros accesibles que constituyen una lectura esencial, no sólo para amantes de la música, estudiantes y profesores, sino también para quienes deseen conocer profundamente el mundo de cada compositor.


  • img-book

    El mundo de Bartók, al modo de una biografía múltiple y coral, presenta un centenar de testimonios y evocaciones sobre Béla Bartók.

    Desde los relatos de su familia directa -madre y hermanos, luego sus viudas y sus hijos; también sus amigos íntimos- hasta los testimonios de grandes compositores y colegas como Zoltán Kodály, Igor Stravinsky, Yehudi Menuhin, Arthur Honegger, Darius Milhaud y Francis Poulenc, o la visión de sus discípulos Antal Dorati y Georg Solti. Aquí se recorren los primeros años en la Hungría provincial de fines del siglo XIX; sus estudios, viajes, vida privada; sus grandes composiciones; hasta los recuerdos del final de su vida, en Nueva York, donde muere en septiembre de 1945.

    .


  • img-book

    A través de más de sesenta imágenes de color, esta publicación recorre las distintas obras de Gordín: sus primeras pinturas y maquetas, entre las que se destaca Scoop, el robot que cobra vida; los “gordinoscopios”, unas enormes cajas con mirilla para asomarse; la serie espacial que, plena de referencias al cine y a los cómics, muestra el futuro tal como podría haber sido imaginado en el pasado; las posibles cubiertas de revistas “pulp” realizadas en marquetería; el Museo de Arte Zombie, que se publica por primera vez en este volumen y que es la libre recreación de narraciones y leyendas sobre muertos y aparecidos… “Gordín” es el quinto de una serie de libros sobre artistas contemporáneos argentinos, publicada por Adriana Hidalgo editora en colaboración con Ruth Benzacar Galería de Arte. El volumen incluye un texto ensayístico de Graciela Speranza y un diálogo entre Gordín y Alfredo Prior.


  • img-book

    Este diccionario traza las distintas, múltiples, caleidoscópicas y casi infinitas historias del arte, según un criterio que combina la razón artística con la poética y la científica. El proyecto de este diccionario-exhibido como obra de arte en museos y galerías-involucra no sólo a la artista que lo firma, sino a seiscientos colaboradores que, vía correo electrónico, aportaron su trabajo y creatividad durante varios años.


  • img-book

    El recorrido crítico de Diedrich Diederichsen atraviesa zonas relegadas de la historia de la cultura y la vanguardia artística para detenerse en ciertos momentos, producciones y objetos que parecían destinados al archivo. El autor rescata lúcidamente materiales que alguien asociaría a la memorabilia de un siglo XX en vías de ser olvidado.

    ¿Qué pueden aportar a nuestra comprensión de la historia y la cultura ciertas producciones de la cultura pop, como las canciones de los Beatles o de los Talking Heads, la pornografía indie, el sobre de los viejos discos de vinilo o los espacios urbanos de reunión y encuentro juveniles? La respuesta de Diederichsen recuerda a teóricos marxistas como Walter Benjamin y, sobre todo, Ernst Bloch, porque propone entender toda producción cultural y artística como un modo en que los hombres y mujeres procesan su experiencia, y en la que se dejan entrever proyecciones de su situación histórica, entremezcladas con alusiones a un horizonte de futuro que sería constitutivo de los seres humanos.


  • img-book

    Dos grandes artistas argentinos de distintas generaciones y ópticas estéticas, reflexionan a fondo sobre el arte moderno y contemporáneo sin ocultar sus diferencias. Muchas veces se cree que el artista es incapaz de formular una teoría. Rilke criticaba el derecho de los pintores a hacer teoría sobre sus obras. Sin embargo él no se privaba de teorizar sobre la poesía. En la actualidad, en cambio, hay una excesiva proclividad a la teoría, fundamentalmente porque la crisis artística de hoy es ante todo una crisis de conciencia. Pero sólo el quehacer artístico con su teoría implícita podrá lograr la respuesta. La teoría divorciada del quehacer es eso, nada más que teoría. Luis Felipe Noé “En nuestra civilización de la imagen todo está en crisis, salvo la imagen. Su producción , circulación, velocidad y consumo (real y simbólico) se han incrementado a la enésima potencia desde la época de la reproductibilidad técnica. En nuestras sociedades del espectáculo integrado, el privilegio de la imagen es también una consecuencia de nuestra percepción distraída del mundo. Pero es obvio que no basta ver para sentir y comprender; al contrario, vemos poco y nada porque miramos demasiado rápido. Creo que el desafío más sutil y problemático proviene de quienes exploran e investigan la imagen misma: los artistas contemporáneos.” Horacio Zabala La voluntad de Noé y Zabala por captar la naturaleza de la práctica artística contemporánea los introduce en la reflexión estética, la revisión de sus postulados y la relectura de los clásicos. Sus conversaciones, con naturalidad y al mismo tiempo con rigor, transitan por la creación y la recepción, el presente y sus antecedentes, la filosofía y la historia. En ningún momento se esconde el desacuerdo ni se disimulan las contradicciones, tal vez debido a la necesidad, como dicen, de “confrontar perspectivas distintas para entender algo que nos supera”.


  • img-book

    En “Belleza compulsiva”, Hal Foster, uno de los más brillantes pensadores y teóricos del arte, analiza con extraordinaria lucidez el corazón mismo del surrealismo y lo hace desde el lado más oscuro de aquella singular vanguardia, conectado a lo siniestro. “Belleza compulsiva” no sólo aporta una lectura nueva y muy fundada del surrealismo, sino que propone una reconsideración del modernismo a la luz del shock capitalista y del desarrolo tecnológico. Foster discute el destino del surrealismo en la actualidad, en un mundo que se ha vuelto surrealista.


  • img-book

    ¿Para qué sirve la teoría si las obras hablan por sí mismas a la sensibilidad??. Dicha interrogación no deja de remitir a una teoría: la de la intuición directa de lo bello y de la sensibilidad artística universal.

    La acción de lo teórico en el dominio del arte y cómo se articula con el cuestionamiento de la obra, cuáles son los modos en que se manifiesta: tal es el propósito de Las teorías del arte. Para llevar a cabo este proyecto, la célebre teórica francesa Anne Cauquelin ?que hasta ahora permanecía inédita en castellano? establece una tipología de las teorías existentes desde el punto de vista de sus efectos. Veremos entonces que, por un lado, tal tipología no corresponde para nada con el orden histórico y, por otro, para tomar en cuenta dichos efectos, la autora convoca una amplia gama de discursos que no suelen considerarse como teorías propiamente dichas, aunque impactan directa o indirectamente en las prácticas artísticas.

     


  • img-book

    Tras el lúcido ensayo “Las teorías del arte” (AH, 2012), Cauquelin propone en su nuevo libro pensar el arte como un modo de acceso a mundos alternativos al “mundo real”.

     

    Anne Cauquelin rastrea en la filosofía occidental la idea de otros mundos fuera del nuestro, llamado “real”. Bajo este presupuesto, la autora lleva al lector a distinguir cuál es el marco de cualquier reflexión artística y “estética”, especializada o vulgar, en el mundo “real” y en el “virtual”. En el libro analiza tanto los argumentos aristotélicos que perviven en nuestro modo de pensar, como la teoría fundadora del mundo único, geocéntrico, a partir principalmente del Tratado del cielo de Aristóteles, así como sus influencias en las “visiones” de la Antigüedad y de los teólogos medievales, los neoplatónicos del Renacimiento, hasta el mundo (único) de Descartes.

     


  • img-book

    Un libro que reflexiona sobre aquellas formas de arte que transitan entre lo excluido y lo admitido, entre el residuo y el producto, entre la disidencia y el poder.

    Desde inicios del siglo XIX, arte y política fueron moldeados por la fuerza centrífuga que irradió la Revolución industrial: movimiento de exclusión social, por un lado; rechazo categórico por el otro, de ciertos signos, objetos o imágenes. Como en el modelo de la termodinámica, la energía social produce un residuo, generando zonas de exclusión en las que se apiñan en completo desorden el proletariado, los explotados, la cultura popular, lo inmundo y lo inmoral: el conjunto subvaluado de todo lo que no se podría ver. Luego de los polémicos y muy exitosos “Estética relacional”, “Postproducción” y “Radicante”, Bourriaud se propone presentar en este nuevo libro el ámbito de lo exformal como el lugar donde se desarrollan las negociaciones fronterizas entre lo excluido y lo admitido.


  • img-book

    Cómo producen sentido los artistas visuales a partir del caos de objetos, nombres y referencias que constituyen nuestra vida cotidiana.

    La cultura global y la avalancha informativa borran cada vez más la consabida brecha entre autor y público, y a través de ese límite progresivamente más exiguo, la obra de arte intenta reflexionar sobre esta serie de relaciones sin pretender originalidad. La noción de originalidad y creación se desdibuja en este nuevo panorama cultural en el que se destaca la figura del dj (disc jockey) o el programador, cuya tarea consiste en seleccionar objetos culturales insertándolos en un nuevo contexto. Se trata de captar los códigos de la cultura, las formas de la vida cotidiana, las obras del patrimonio global, y hacerlas funcionar. El arte representa un contrapoder y siempre será ‘comprometido’ en su tarea de no dejar ningún signo intacto.


  • img-book

    Este brillante ensayo de Nicolas Bourriaud se organiza en torno de problemas como el multiculturalismo, la posmodernidad y la globalización cultural.

    Entre esas preguntas hay una que se vuelve acuciante: ¿por qué se ha comentado tanto la globalización desde un punto de vista sociológico, político o económico y casi nunca desde una perspectiva estética? ¿Cómo afecta este fenómeno a la vida de las formas? El radicante puede crecer y desarrollar sus raíces en cualquier tipo de superficie, lo que permite introducir la posibilidad de una ética y una estética de las migraciones: fenómeno clave de nuestra época. La teoría de Bourriaud –en la que entran las identidades precarias, las formas abiertas, la inestabilidad– abre un nuevo campo de trabajo para el análisis y la investigación de las artes.


  • img-book

    En estos ensayos el autor caracteriza un nuevo paradigma artístico destinado a interactuar en la esfera de las relaciones sociales.

    Las teorizaciones que recorren Estética relacional surgen precisamente a partir del conocimiento profundo de la obra de los más conspicuos artistas internacionales de los años noventa, hoy en plena actividad, y de exponer los principios que estructuran sus pensamientos. El libro viene a responder, entre otras, a la pregunta “¿de dónde viene esta obsesión por lo interactivo que atraviesa nuestra época?”.


  • img-book

    Figura esencial en la articulación del arte de los ochenta con el de los noventa, docente de artistas desde hace más de tres décadas, pintora de género y materializadora de objetos, muestras y diccionarios colectivos, Diana Aisenberg es una personalidad indiscutiblemente influyente en el arte argentino de las últimas décadas. Sin embargo, hasta ahora, el cuerpo de obra que produjo, tan numeroso como complejo, permanecía oculto detrás de su enérgica función de educadora. Este libro reúne por primera vez el trabajo que Aisenberg desarrolla desde hace tiempo. Aquí están sus madonas, los cuadros de los ochenta en los que revisó la pintura religiosa en clave feminista. Aquí sus combos, las instalaciones que cuestionaban la relación de la pintura con la realidad. Aquí sus interpretaciones pictóricas de la arquitectura del cielo; aquí sus animales, sus flores, sus pizarrones; aquí sus tributos a la madona de las artes, las instalaciones a las que invitó a participar a toda la comunidad artística, con las que le devolvía al arte su carácter sagrado y devocional, y que constituyen una extensión natural del trabajo en grupo que realiza en sus clínicas y talleres. El libro incluye un ensayo de Roberto Amigo que, dejando de lado la organización cronológica, descubre y conceptualiza los temas e iconografías que aparecen intermitentemente en la producción de la artista. A su vez, María Moreno la somete a su mítico sistema de preguntas en una entrevista que demuestra la continuidad que existe entre la biografía y el credo artístico de Aisenberg. Finalmente, un texto de Santiago Villanueva describe el método educativo que implementa en sus clínicas, seminarios y talleres, y lo conecta con la tradición pedagógica de la peña y los talleres de artistas en Argentina. Esta edición forma parte de la colección de libros sobre artistas argentinos que publica Adriana Hidalgo.