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    En cada circunstancia, la muerte voluntaria ilumina el ámbito humano del cual proviene su sentido, y paulatinamente es todo el pasado japonés el que se manifiesta con sus contradicciones, extravíos y desgarramientos.

    ¿Qué puede hacernos entender sobre la sociedad japonesa del presente la muerte voluntaria, inscripta dentro del rumor de las estadísticas y considerada como síntoma? La investigación sociológica traza el punto de partida de una genealogía. De un siglo al otro, se trata por consiguiente de recorrer ese país del cual habla Nietzsche, “el enorme, el lejano y muy misterioso país de la moral –de la moral que verdaderamente existió y que fue auténticamente vivida–”, explorando en sus documentos las diversas prácticas de la muerte voluntaria en Japón: como apoteosis de la carrera del guerrero, como horizonte del distanciamiento budista, como eje del sistema feudal, como prueba de la fuerza del amor, como exaltación sacrificial, como culminación de la desesperación y del desarraigo.

    El ensayista francés Maurice Pinguet (1921-1991), reconocido por sus escritos de antropología cultural y por su amistad con Roland Barthes, vivió largamente en Japón, donde elaboró este libro fundamental sobre la cultura japonesa, que permanecía inédito en castellano. La muerte voluntaria en Japón, libro dedicado a Barthes, ha sido constantemente comparado en importancia con Historia de la locura en la época clásica, de Michel Foucault, y está considerado una obra maestra, que permite conocer aspectos centrales de la vida y el pensamiento japonés.


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    Un libro político, sin texto, que habla sobre la censura y el totalitarismo.

    En un país gobernado por un rey, hay ciertas palabras que no se pueden utilizar. Pero alguien ve “algo” que no debe: las palabras comienzan a ser dichas y, como una bola de nieve, muy a pesar de los guardias del rey, lo prohibido sale a la luz.

    Julie Rembauville y Nicolas Bianco-Levrin son, sobre todo, apasionados del cine. Han creado una asociación, “Prototypes asocies”, que ha sostenido durante diez años un festival en Paris. Los cientos de películas que han visto los ha motivado a creas las propias. Sus experiencias como directores “hechos en casa” los condujo a crear Sacrebleu productions, sello bajo el que dirigieron el video clip llamado “Ben Hora”, de Pad Brapad. Este cortometraje recibió el premio a mejor video clip en el festival Anima 2011, en Bruselas.


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    Tungsteno quiere salir a corretear, pero Pinzón ha decidido crear un invento útil que nunca antes se le haya ocurrido a nadie. ¡Algo para llegar hasta la parte alta del árbol de guindas y así poder cosechar! Tungsteno creará algo simple y práctico, pero Pinzón desplegará su gran imaginación y dibujará un invento tan complejo y realista que al tocarlo comenzará a funcionar, y se tragará a Pinzón como a un ramillete de guindas. ¡Sólo Tungsteno podrá salvarlo!


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    Fiel a su personalidad excéntrica y poco práctica, y en el afán de arreglar el techo, Pinzón construirá un torre altísima con absolutamente todos los muebles de su casa…

    Pinzón es un personaje feliz que a veces se enoja, y astuto aunque a veces torpe. Dulce, pero a veces un poco malo. Su mejor amigo es Tungsteno, un perro. En esta nueva entrega de las desopilantes aventuras de Pinzón y su compañero Tungsteno, Pinzón decidirá arreglar el techo para no tener goteras, pero descubrirá que colocar una mesa en lugar de pegar el techo es una solución mucho mejor. Una vez colocada la mesa, descubrirá que desde allí arriba tiene una vista fenomenal y que, cuanto más alto llegue, más lejos podrá ver. Mientras Tungsteno se obsesiona sobre cómo ordenar sus figuritas, Pinzón subirá cada mueble de la casa al techo, construyendo así una gran torre. Cuando Tungsteno finalmente salga de su trance, irá a buscar a Pinzón y se encontrará todos los muebles en el jardín, bajo la lluvia


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    Don Galindo despierta con un ojo y con el otro permanece dormido, no distingue el derecho ni el revés y confunde un rulo de su cabeza con el tornado que llega a visitarlo. Los vecinos comentan y están siempre observando, pero eso a Galindo le tiene sin cuidado. Será que el tornado y Don Galindo no son tan distintos después de todo…

    Un libro que desafía el significado de “normalidad” y que propone un manifiesto dedicado a la libertad y al cuerpo rebelde.


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    Ricardo quiere quedarse despierto hasta tarde, pero su mamá le dice que no, su papá le dice que no y hasta sus abuelos le dicen que no. Desde la ventana de su habitación, ve una luz en la lejanía y él sabe que allí se encuentra “Tan tarde”, el lugar exacto que a él le gustaría conocer: para bailar, para cantar, para disfrutar. Junto a una osa, un gato y un ciervo, recorrerá la gran distancia que lo separa de “Tan tarde” y disfrutará de una velada increíble.


    Tan tarde 14,50
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    De la ilustradora de “Mi jardín” (Adriana Hidalgo / pípala, 2010), este nuevo libro transporta al lector a un mundo donde todo es posible, y donde todos los sentidos tienen importancia ? no sólo el de la vista.

    A una niña la comienza cansar eso de estar mirando siempre al frente: al lavarse los dientes, al caminar por la calle, en el aula de la escuela. Un día decide dejar de hacer sólo lo que los adultos esperan de ella y, poco a poco, descubre el mundo que transcurre a su lado….


    Mi jardín 14,50
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    De la ilustradora de “Mi jardín” (Adriana Hidalgo / pípala, 2010), este nuevo libro transporta al lector a un mundo donde todo es posible, y donde todos los sentidos tienen importancia ? no sólo el de la vista.

    A una niña la comienza cansar eso de estar mirando siempre al frente: al lavarse los dientes, al caminar por la calle, en el aula de la escuela. Un día decide dejar de hacer sólo lo que los adultos esperan de ella y, poco a poco, descubre el mundo que transcurre a su lado….


    A mi lado 14,50
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    El libro profundiza en el pensamiento libre de Blumenberg, para quien todo dogmatismo es perjudicial, aunque tenga buenas intenciones. Así, Lewitscharoff le hace decir al filósofo: “Es un grave error creer que la verdad resulta liberadora independientemente de cuándo, dónde y quién la dice. Todo depende del momento en el que una verdad se puede o no se puede tolerar”. Según aclara la autora, “en vano se buscarán aquí citas exactas de Blumenberg. Pero del filósofo he robado medias frases, breves improntas, razonamientos algo modificados, términos aislados. Dondequiera que se halle ahora: me inclino ante él y ruego su indulgencia”.


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    El personaje principal de este libro sin texto es transparente: está vacío. En su vida cotidiana, todo se puede ver a través suyo… hasta que algo comienza a materializarse el día en que conoce el amor.


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    “La tradición japonesa nunca le escapó al cuerpo: a su materialidad, a su poética, a su retórica. Pero, como bien señaló Michel Foucault, nunca precisó”

    El título de este libro significa “cuerpo” en japonés y tiene también las acepciones de “sustancia”, “objeto” y “realidad”. Su autor, Michitaro Tada (1924-1997), quien escribió anteriormente un ensayo dedicado a la Gestualidad japonesa (publicado por AH en sucesivas ediciones a partir de 2006) explora en este nuevo libro los significados asociados con el cuerpo humano en la cultura de japonesa. En Karada el autor combina de manera magistral múltiples fuentes, gracias a su vasto conocimiento científico e histórico sobre las diversas expresiones de la cultura japonesa a las que suma lúcidos abordajes personales y hasta íntimos.


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    Babosas que son montadas como caballos, una oveja gigante atracada en el puerto como un gran barco carguero son sólo algunas de las impactantes y oníricas imágenes que Díaz Prieto ha construido.

    Nada fuera de lo ordinario parece suceder: un gato se despierta de su siesta para perseguir a una mariposa roja. Pero comienzan a pasar las páginas? y el gato es el guía dentro de un mundo extraño, sin texto, que irá revelándose más y más atípico, que comienza y termina y vuelve a comenzar, como una cinta de Moevius.


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    Con este volumen de textos inéditos se completa la publicación en castellano de las crónicas que Clarice Lispector escribió para el “Jornal do Brasil” entre los 60 y 70.

    Junto con el primer volumen, “Revelación de un mundo”, publicado por Adriana Hidalgo editora en 2004 –y con sucesivas reimpresiones hasta el presente–, se termina de delinear este verdadero laboratorio narrativo y de ideas, para trazar el mapa sobre la región menos explorada de su literatura. “Descubrimientos” es una caja de sorpresas con artículos y relatos inéditos en español de la gran escritora brasileña. A medida que su fama crecía, la figura de Clarice fue nimbándose de una aura de misterio que alimentó mistificaciones que su vida apartada favoreció: rara, complicada, mística, bellísima. Como dijera Antonio Callado, “una extranjera en la Tierra.”


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    Una historia que construye un mosaico familiar alrededor de la persecución de los judíos ucranianos en 1941, durante la Segunda Guerra Mundial.
    Cada generación de escritores en Alemania produce en algún momento el gran texto generacional sobre el nazismo. Ahora es el momento de la camada de escritores de origen eslavo cuyas familias, por diferentes motivos, emigraron a Alemania después de la caída del muro. Dado que se trata de hechos históricos suficientemente establecidos, lo que ofrece este texto es una brillante y conmovedora narración que renueva la experiencia estética vinculada a aquellos hechos. La aguda y original novela Tal vez Esther, de la escritora en lengua alemana de origen ucraniano Katja Petrowskaja, está compuesta por fragmentos narrados en primera persona que conforman un mosaico familiar alrededor de la persecución de los judíos ucranianos en 1941, durante la Segunda Guerra mundial.

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    Un delicado universo femenino enmarca esta historia que narra las vivencias de una mujer ante dos situaciones cruciales: su ruptura matrimonial y la muerte de su madre.
    Esta novela –publicada por entregas en Yomiuri, el diario de mayor circulación en Japón– narra la experiencia de una mujer enfrentada a dos situaciones simultáneas y trascendentales para su vida: cumplir el deseo de su madre anciana y enferma de tener una muerte asistida y hacer frente al fracaso irremediable de su matrimonio. En el entrecruzamiento de estas experiencias límite, “la herencia” de la madre adquiere una dimensión especial. “La herencia de la Madre” es la última novela de Mizumura, tras su consagración internacional con la premiada “Una novela real “. En 2012 recibió por “La herencia de la madre” el prestigioso Premio Osaragi Jiro, que otorga la prensa japonesa.

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    Ciprian es un artista que creció en Rumania en los años 80. Tras su azaroso ingreso al mundo del arte se cuestiona con humor acerca el estatuto del arte contemporáneo.

    La historia deCiprian, un artista que ha crecido en Rumania justo antes de la caída del Muro y que en sujuventud ingresa fortuitamente al mundo del arte y luego al de las becas y residencias artísticas de Europa occidental. Por entonces conoce a Pavlov, quien predica el abandono de todas las convenciones del artista contemporáneo, llevando a Ciprian a alejarse del mundo de las residencias y becas para instalarse en París. Lo que sigue es un hilarante cuestionamiento acerca del estatuto del artista contemporáneo que se debate entre alimentar su ego o romper con los moldes que impone el sistema del arte.


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    El Señor O tiene un problema desde que es pequeño: todo el mundo puede ver sus pensamientos. De modo que, en la adultez, decide usar un gran sombrero que no permita a nadie ver lo que piensa. Pero no será tan fácil para el Señor O controlar sus poderosos pensamientos, sobre todo al conocer a la Señorita I, de quién se enamorará locamente y a partir de lo cual, perderá completamente el control de los pensamientos que habitan sobre su cabeza. Cansado y rendido, decide ir a consultar con un médico que le receta tomarse unas vacaciones al mar. El Señor O no sólo irá por primera vez al mar, sino que allí tendrá una revelación que resolverá su conflicto…


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    En este libro, la continuación de “La casa del árbol”, en vez de permanecer en un solo lugar el oso blanco recorrerá mares, atraído por paisajes y construcciones que remiten a distintas épocas y corrientes estéticas. “La isla” es una suerte de opuesto complementario de “La casa del árbol”: en lugar de permanecer, este oso emprende su búsqueda. Un maravilloso libro sin texto que cuenta una historia sobre la búsqueda y la llegada a través de la ternura y calidez de las ilustraciones.


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    Con “Estética de laboratorio” Reinaldo Laddaga continúa y profundiza las investigaciones, ideas y teorizaciones de su ensayo anterior, “Estética de la emergencia”

    A pesar de la incesante variedad de prácticas que pueblan el variabilísimo presente, pueden proponerse generalizaciones que permitan agudizar nuestras observaciones y refinar nuestras ideas sobre lo que constituye la singularidad de las artes de estos años. Tales suposiciones están en el punto de partida de este libro.


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    Nos encontramos en una fase de cambio de cultura en las artes comparable, extensión y profundidad, a la transición que tenía lugar entre finales del siglo XVIII y mediados del XIX. El proceso decisivo de los últimos años en el universo de las artes es la formación de una cultura diferente a la moderna y a sus estribaciones posmodernas. Un signo particularmente elocuente de este proceso es la proliferación de iniciativas de artistas destinadas a facilitar la participación de grandes grupos de personas muy diversas en proyectos donde se asocia la realización de ficciones o de imágenes con la ocupación de espacios locales y la exploración de formas experimentales de socialización. Estamos ante nuevas ecologías culturales. Estos proyectos articulan ideas e instituciones, imaginarios y prácticas, modos de vida y objetos, nuevas formas de intercambio y demás procesos que la tradición inmediata no permitía anticipar. Estética de la emergencia aporta elementos para una lectura de esta reorientación de las artes; de esta transición en el curso de la cual un número creciente de artistas reaccionan al evidente agotamiento del paradigma moderno. A partir de la descripción y el análisis de algunas de estas experiencias, Reinaldo Laddaga propone un inventario de esta nueva cultura y la vincula a procesos más vastos de modificación de las formas de activismo político, producción económica e investigación científica que definen, en su novedad, al presente


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    Es todavía capaz el hombre moderno de tener una experiencia o debe ya considerarse la destrucción de la experiencia como un hecho consumado? A partir de este interrogante se inicia el ensayo que le da título a este volumen.

    Agamben propone una nueva manera de pensar el problema de la experiencia, abordando motivos aparentemente distantes: la soterrada solidaridad entre racionalismo e irracionalismo en nuestra cultura y el deslizamiento por el cual la fantasía pasó de la esfera del conocimiento al plano de la irrealidad; el rechazo de las razones de la experiencia por parte de los movimientos juveniles y el desplazamiento de la aventura desde lo cotidiano hacia lo extraordinario. Todos estos motivos convergen en una teoría de la infancia donde encuentran una nueva formulación algunos de los temas cruciales del pensamiento contemporáneo. Desde esta perspectiva, el hombre ya no se muestra, según la tradición metafísica, como el ?animal que posee el lenguaje?, sino como el animal que está privado de él y que por lo tanto debe recibirlo desde el exterior.


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    “En construcción” reúne textos escritos entre 1909 y 1912. La mayoría es de una originalidad sorprendente. Entre otros motivos, por su uso de las fuentes y por la incorporación de la literatura y la filosofía como elementos dramáticos.

    El libro “En construcción” rescata la obra intermedia de Mori Ogai, quien entre todos los camaradas del campo literario fue capaz de sostenerse en mundos opuestos a lo largo de su vida, sin renunciamientos. Su pasión intelectual y su lúcida incomodidad son reflejo de ese momento de espléndida adolescencia intelectual de Japón.


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    La joven escritora portuguesa Dulce Maria Cardoso narra en esta su primera novela la historia de un hombre y de un crimen, a través de las voces de cuatro mujeres que están juntas en un mismo espacio: su ex mujer, su madre, la dueña de la pensión donde él vivía y su amada, que está por dar a luz. Campo de sangre fue distinguida con uno de los más prestigiosos galardones literarios de Portugal, el Gran Premio “Acontece” de Novela. Luego de la edición original, la obra se publica ahora simultáneamente en Brasil, Francia y Argentina.


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    Un extraordinario relato de ciencia ficción, que toma la forma de un diario de abordo sobre una travesía galáctica insólita y desesperada alrededor de la Tierra.

    Cancroregina es el nombre de una máquina asombrosa, improbable y tentacular, una nave espacial de “mil ojos” y “humor extraño”, inventada para viajar a la Luna y “mostrar a todos los hombres de buena voluntad nuevos caminos, para los cuerpos y para los espíritus”. La novela es, de hecho, un inquietante diario de a bordo que el protagonista escribe durante lo que debía ser un viaje más allá de los confines de la Tierra, pero que después de algunas peripecias, comienza a ser un giro sin fin alrededor del planeta, una travesía sin meta y sin destino. Quien cuenta la historia es un hombre solo, en el límite de la desesperación. Y la nave es el lugar metafórico donde transcurre la gran transformación social y antropológica de la segunda mitad del siglo XX.


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    John McGahern (1934-2006) es uno de los más grandes escritores irlandeses, generalmente mencionado entre los mejores escritores contemporáneos en cualquier lengua. Sin embargo, es prácticamente desconocido para los lectores en castellano. Con la publicación de la más impactante de sus novelas, La oscuridad, los lectores podrán descubrir a un escritor absolutamente extraordinario. La oscuridad retrata la entrada en la adultez de un niño sometido a todo tipo de maltratos por parte de su padre viudo, un ser amargado y fracasado que descarga todas sus frustraciones en los hijos, explotando literalmente por cualquier cosa. Patrick crece y cree encontrar una salida en la religión, pero los curas pueden ser tan hipócritas como su padre. Su única oportunidad será obtener una beca para la universidad, aunque Mahoney, su padre, hará todo lo posible para que fracase.


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    El libro profundiza en el pensamiento libre de Blumenberg, para quien todo dogmatismo es perjudicial, aunque tenga buenas intenciones. Así, Lewitscharoff le hace decir al filósofo: “Es un grave error creer que la verdad resulta liberadora independientemente de cuándo, dónde y quién la dice. Todo depende del momento en el que una verdad se puede o no se puede tolerar”. Según aclara la autora, “en vano se buscarán aquí citas exactas de Blumenberg. Pero del filósofo he robado medias frases, breves improntas, razonamientos algo modificados, términos aislados. Dondequiera que se halle ahora: me inclino ante él y ruego su indulgencia”.


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    Este libro incluye la totalidad de la obra cuentística de John McGahern (1934-2006), considerado por la crítica como “el mejor escritor irlandés de cuentos desde James Joyce”. Hasta que Adriana Hidalgo editora publicó La oscuridad, la novela más impactante de McGahern, este era un escritor prácticamente desconocido para el lector en lengua castellana. McGahern recibió, entre otras distinciones, el Irish American Foundation Award y el Prix Étranger Ecureuil, además del doctorado honorario del Trinity College de Dublín.


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    Un cuento maravilloso que desafía los límites de la realidad.

    Julián descubre un espejo viejísimo en el patio de su casa. Pateando la pelota contra él, se dará cuenta de que el espejo es un portal a otra realidad: una mucho más interesante que la propia. Su perro intentará detenerlo y, al cabo de varios intentos de meterse en el espejo detrás de él, acabará por romperlo. Mientras Julián viaja por un mundo extraño, el perro intenta explicarle a sus padres la gravedad del asunto, pero nadie le cree porque los perros no hablan.


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    Bandoleros sitúa a los personajes en un espacio indefinido, fuera del ámbito de la razón y la locura, como ocurre en las películas de Godard o en las novelas de Beckett.

    La voz narrativa es la de un escritor de escaso éxito que, un domingo cualquiera, siente “una necesidad loca de salir”. El viaje físico se transforma en un recorrido mental en el que no estará ausente la violencia, el erotismo y la muerte. En la mejor tradición de la literatura contemporánea, Bandoleros acentúa la incertidumbre existencial: vemos lo que ocurre, pero jamás sabemos por qué ocurre. ¿Cuál es la enfermedad de João? ¿Qué motiva al protagonista a viajar a Boston? ¿Qué busca Steve en el Brasil?

     


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    Una nueva novela de Joao Gilberto Noll, que nos muestra un narrador como un ser expuesto a fluctuaciones que no puede localizar ni en sí mismos ni en el mundo.

    Un ex actor escondido en un asilo se consuela con el proyecto de una obra de teatro. Quiere volver a Harmada, su ciudad de origen, pero se ve retenido en una parálisis de la cual sólo el arte lo ampara. Al narrador de esta novela los pensamientos lo asfixian. Harmada, su ciudad, viene a resguardarlo de esta vaguedad, porque allí está la posibilidad de una esperanza.


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    Vidas de hotel presenta este universo en sus múltiples variantes: la habitación de hotel como símbolo de refugio o de encierro, como lugar secreto para lo prohibido, como morada para lo excéntrico o lo siniestro, como hogar fuera del hogar, como escenario para crímenes o infidelidades, como escondite para un prófugo, como marca o indicio social, etcétera.

    Según Bertolt Brecht, “habitar en un hotel significa concebir lavida como una novela”. El carácter literario de los hoteles es cosa sabida. Los encuentros “sorprendentes y deliciosos”, afirmó Maupassant, se producen mejor “en un tren, en un hotel o en un lugar de vacaciones”; es decir, fuera de lo cotidiano.

    La antología abarca desde la pesadilla cotidiana (Dino Buzzati) o el absurdo (Slawomir Mro ek) hasta el oscuro nacimiento de un centro para viajeros (William Trevor); desde una crisis de pareja (Juan José Saer) hasta los inquietantes paralelismos entre diferentes hoteles (Ricardo Piglia). Los relatos de Julio Cortázar y Roald Dahl muestran formas de renovar la tradición de hoteles amenazantes que tan bien cultivara el maestro de ghost stories M.R. James. Tampoco faltan cuentos clásicos de Chéjov, Joyce, Saki, Mansfield, O. Henry, Pirandello o Allais junto a autores a descubrir como Stephen Dixon o Jacques Sternberg.

    A la venta 10 de abril


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    Un cuento político sobre el rol de los medios que podrá ser leído por grandes y chicos. Humor ácido con ilustraciones naíf generan un gran contrapunto.

    El Señor Mock tropieza en la calle, y movido por la indignación y la vergüenza, aprovecha el accidente y decide poner en movimiento una acusación contra las babirusas, que serán su chivo expiatorio para todos los males de su país. La población está asustada, el temor a las babirusas crece día a día alimentado por los medios de comunicación. Convencidos de que no hay otra alternativa, comienza las guerra contra las babirusas de Birmafastán. Y luego vendrá la guerra total contra Babiria.


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    “Variaciones postales” es un intercambio epistolar de dos familias que, a su vez, abarca la historia de Polonia durante 200 años, desde la Revolución Francesa hasta la década del 70.

    “Variaciones postales” consiste en una serie de cartas escritas por los hombres de la familia Zabierski, presentados de a pares: así, tendremos una carta escrita de padre a hijo y luego la respuesta del
    hijo (aunque la última carta no tendrá contestación). El primer intercambio epistolar está fechado en 1770; y el siguiente, en 1779. Y así, saltando de una generación a otra, llegamos hasta 1970.

    A la venta el 27 de marzo


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    En la obra periodística de Di Benedetto pueden recuperarse muchas huellas de su literatura y también algunos contextos que la hicieron posible.

    En la obra periodística de Di Benedetto pueden recuperarse muchas huellas de su literatura y también algunos contextos que la hicieron posible. Pero, sobre todo, nos permite tener una idea más cabal de su “máquina de escritura”, cuya singular extrañeza comenzó a gestarse en la letra destinada a las rotativas. Sus artículos se caracterizan por ciertos procedimientos observables también en su obra literaria: el fragmento, el recorte brusco, sin aviso ni concesiones; la elipsis, lo sugerido antes que lo explícito; las frases breves, la inteligente ironía, el laconismo; el montaje, el encuadre. Varios de sus procedimientos dialogan con el cine, con el cual Di Benedetto tuvo una convivencia estrecha. La mayoría de los textos que aquí publicamos fueron escritos para el diario mendocino Los Andes


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    En el País de las Maravillas, allí donde transcurren las aventuras de Alicia, viven muchos personajes a los cuales conocemos poco, entre ellos, la familia del Conejo Blanco.

    En el País de las Maravillas, allí donde transcurren las aventuras de Alicia, viven muchos personajes a los cuales conocemos poco… entre ellos, la familia del Conejo Blanco que siempre tiene prisa… Este libro, diario íntimo de la esposa del Conejo Blanco, narra la vida familiar: alegrías y pesares, obligaciones y arduos deberes de ser esposa y mamá en una familia numerosa…


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    El célebre filósofo italiano Giorgio Agamben rastrea en este breve libro las características del “gusto” y sus implicancias en la compresión del mundo.

    En contraste con el estatuto de privilegio otorgado a la vista y el oído, en la tradición de la cultura occidental se clasifica al gusto como un sentido inferior, cuyos placeres el hombre comparte con otros animales y en cuyas impresiones no se mezcla lo moral. En Hegel, el gusto es lo contrario de la visión y la audición, porque, entre otras cosas, “no se puede degustar una obra de arte como tal, dado que el gusto no deja al objeto libre por sí, sino que lo disuelve y lo consume”. Sin embargo, en griego y en latín modernos, el gusto se relaciona etimológica y semánticamente con la esfera del saber, como un acto de conocimiento. A lo largo de los siglos XVII y XVIII se comienza a distinguir el gusto como una facultad específica, encargada del juicio y del disfrute de la belleza.

     

    A la venta el 20 de febrero


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    Al igual que en sus últimas crónicas, Hebe Uhart vuelve sobre la crónica de viajes en De aquí para allá, donde se explaya en once textos sobre las comunidades indígenas de Argentina y Latinoamérica desde una singular mirada que sigue los rastros del lenguaje.

    “¿Por qué se me ocurrió escribir sobre las comunidades indígenas en sus distintos contextos? Cuando tengo una inclinación, primero la sigo y después me pregunto por qué.En este libro cuento la visita a los wichis y a los quom, una inolvidable charla con don Haroldo Coliqueo, descendiente del gran cacique Ignacio Coliqueo. Viajé a Otavalo, Ecuador, donde los indios se han enriquecido y han desplazado a los mestizos del centro de la ciudad, pude ver allí a una señora con traje regional, sentadita en un rincón manejando una computadora de bolsillo.  En mis viajes reforcé mi creencia de que este mundo está hecho de mezcla y en todas las etnias que visité encontré lo antiguo mezclado con lo actual; la tecnología está en todos lados. En definitiva quise saber más de aquellos que, teniendo en cuenta a la mayoría de los países de América Latina, forman más de la mitad de la población.”  

                                                                                                                                                                Hebe Uhart

     

    A la venta el 17 de abril


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    Esta novela breve y contundente, es la primera del aclamado autor chino Ge Fei que se traduce al castellano.

    El protagonista de El invisible vive en la Beijin contemporánea, donde todo el mundo está ocupado en ascender por la escalera del éxito soportando una carga cada vez mayor de bienes de consumo. Entrado en los cuarenta años, divorciado y sin hijos, vive con su hermana en un departamento en el borde de la ciudad, tratando de mantenerse a flote financiera y emocionalmente en una sociedad fuera de cualquier escala humana. En la segunda mitad de la década de 1980, en plena «fiebre cultural», Ge Fei creó una serie de obras de ficción breve con un elevado carácter experimental y vanguardista que ha sido considerada como una de las más complejas y reveladoras de la literatura china reciente.

    “Hoy en día es difícil profundizar en la escena artística china sin haber entrado en el mundo de Ge Fei, uno de los escritores más radicalmente literarios de Oriente.” Enrique Vila-Matas


    El invisible Ge Fei 16,50
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    Biagioni desarrolló su obra al margen de los mandatos habituales e independientemente de las poéticas dominantes en la Argentina de la segunda mitad del siglo XX. Lejos del surrealismo y del invencionismo de los años cincuenta, del nacionalismo y de la poesía social y comprometida políticamente de los sesentas, y del objetivismo y el feminismo posteriores: la producción de Biagioni se gesta en un lugar de desajuste, recurriendo a tradiciones tan diversas como el neorromanticismo, la vanguardia girondiana, el romanticismo alemán y la poesía pura de Mallarmé. Como le escribió Susana Thénon en una carta: “No sé cómo es que en un poema cabe el universo. Pero sé que es así, y en muchos de los tuyos eso ocurre y para siempre”.


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    Un exhaustivo recorrido por las principales representaciones y adaptaciones, todos los personajes, las fuentes, citas y sinópsis. Con análisis críticos de las obras.

    En La guía del teatro de Shakespeare dos de los mayores especialistas británicos se ocupan del teatro completo de William Shakespeare. Además se agregan las principales representaciones y adaptaciones shakespearianas, desde fines del siglo XVI hasta la actualidad, no sólo teatrales sino también a través de óperas, películas y producciones para la televisión.


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    Un ensayo sobre el teatro como filosofía bastarda: impureza, lección desviada, análisis demasiado serio para ser verdadero, verdad demasiado lúdica para estar asegurada.

    La filosofía es un poco reacia con el teatro porque, para ella, la Idea latente del teatro no puede pretender más que a la particularidad genérica del arte, y no a la Gran Lección del maestro. El teatro sería la filosofía tomada por el desenfreno, la Idea en la subasta del sexo, lo inteligible en ropas de feria. De suerte que, desde el extremo filosófico (la Idea, lo inteligible), rivalizaría con el maestro, y por el extremo desenfrenado (el sexo, la feria) sería cómplice del psicoanálisis.


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    En estos cinco textos Auden analiza características y personajes específicos de la obra de Shakespeare que le sirven como punto de partida para entender todo su teatro.

    A lo largo de El mundo de Shakespeare, Auden investiga con lucidez las relaciones de aquel teatro y aquel público, con el teatro y el público modernos, y se detiene especialmente en algunos personajes shakesperianos fundamentales como Shylock (El mercader de Venecia) Otelo y Yago (Otelo). A través de estos caracteres el poeta y ensayista traza claves culturales y psicológicas para convertirlos en tipologías humanas que van más allá de cualquier época. Estos ensayos de Auden explican la vigencia del teatro de Shakespeare y su especial resonancia presente.


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    De lectura indispensable, el “Teatro completo” demostrará a los lectores que la revolución de Chéjov sigue aconteciendo en el presente.

    Poco más de veinte años de escritura le valieron a Antón Chéjov (1860-1904) un lugar revolucionario en la historia del teatro occidental. “La gaviota”, “Tío Vania”, “Las tres hermanas” o “El jardín de los cerezos”, incluidas en este volumen junto al resto de su producción escénica, cambiaron los rumbos del realismo, abrieron las puertas a muchas de las principales poéticas del teatro moderno y sentaron las bases tanto de la expresión minimalista como de un realismo no naturalista que propició las mezclas con otras estéticas.


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    “El teatro de Veronese rompe las nociones tradicionales de sujeto, espacio y tiempo. Construye nuevas máquinas de individuación. Veronese compone un teatro de estados. Transforma la violencia de las relaciones humanas en una poesía de la violencia.” Eduardo Pavlovsky


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    Actor y escritor, Alejandro Urdapilleta equilibra su vida en dos movimientos: la exposición y la introspección. Por la noche, en escena, conmueve a los espectadores con versiones prodigiosas de Shakespeare, Bernhard, Orton; por las mañanas, escribe en cuadernos, a mano y sin pausa. Luego oculta u olvida esos cuadernos en baúles. Tiene decenas de ellos. Uno más fascinante que el otro. El volumen que el lector tiene en sus manos rescata de esos cuadernos dos magníficos relatos: La poséida y El Papa de Etiopía, expresiones auténticas del universo que da a Urdapilleta un lugar de excepción en las letras argentinas.Poseida


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    Registros reúne escritos diversos de Federico León: textos dramáticos, un guión de cine, metatextos, junto a fragmentos de críticas y entrevistas de múltiples fuentes. Se trata de dar cuenta de la polifonía que constituyen las obras de León y su entorno analítico, académico y periodístico, desde 1997 hasta hoy .


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    Diez Años después de su estreno, Mauricio Kartun publica Sacco y Vanzetti. Dramaturgia sumaria de documentos sobre el caso, por primera vez en la Argentina y en versión corregida. Se trata de la pieza que bajo la dirección de Jaime Kogan, fue aplaudida en 1991 en el Teatro Metropolitan de Buenos Aires. Combinando las estrategias del teatro documental y el épico, Kartun retoma la historia de los anarquistas italianos condenados a muerte en Estados Unidos, víctimas de un proceso judicial teñido de xenofobia y corrupción. Esta obra significó para el autor, como él mismo lo recuerda, un “enorme premio de crítica, público y recaudación. La sala comercial de la calle Corrientes se llenaba de vivas a la anarquía y puteadas a los jueces. Versiones muy exitosas luego en Estados Unidos, en Montevideo, en Roma y unas cuantas ciudades del interior.” La presente edición del texto se completa con un Apéndice -a cargo de Jorge Dubatti- que incluye una extensa entrevista con el autor de Chau Misterix.


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    Vagones transportan humo reúne 37 textos escritos por Alejandro Urdapilleta entre 1985 y 1999. Conocido como uno de los más talentosos actores surgidos del circuito underground, Urdapilleta muestra en este libro que es, además, un dramaturgo notable y una pluma inquietante y significativa. La Nación


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    Durante la década de 1990 las obras de Marcelo Pombo fueron consideradas emblema de una movida artística que intentaba derrocar la gravedad del arte político y las ínfulas del neoconceptualismo a través de una idea de belleza que muchos tildaron de banal y decorativa. Aquí se presenta por primera vez el arco completo que la obra del artista ha trazado hasta la fecha: desde una temprana época de rebeldía underground, pasando por una manualidad obsesiva y melancólica hasta los hipnóticos y demenciales esmaltes de 2006. Este es el primero de una serie de libros sobre artistas contemporáneos argentinos, publicada por Adriana Hidalgo editora en colaboración con Ruth Benzacar Galería de Arte.


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    Protagonista del llamado “arte argentino de los noventa”, Pablo Siquier realizó su obra de la última década profundizando las posibilidades compositivas y lógicas que avizoró a fines de los años ochenta: las de una geometría que le escapa a su propio orden. Ningún artista de su generación es más riguroso y obsesivo, y ninguno se dedicó a un campo de juegos pictóricos tan delimitado. Sólo recientemente el propio Siquier advirtió que, en el fondo, pinta el mismo cuadro desde hace más de veinte años. En la entrevista con Leopoldo Estol, Siquier habla de los cambios que se fueron produciendo en el circuito artístico local desde fines de la década del ochenta hasta la actualidad, analiza las diferentes etapas de su trabajo y los sistemas de representación que empleó en cada una, además de reflexionar sobre algunas ideas centrales del arte del siglo XX. En su ensayo, Damián Tabarovsky define la obra de Siquier como una geometría imperfecta afectada por una historia precisa: la de la abstracción geométrica de las vanguardias históricas. En ese sentido, la obra se constituye a la vez como testimonio de la historia del arte de las últimas décadas, y como pintura después del fin del arte (o búsqueda moderna después de lo moderno). De ese “post” de la obra de Siquier, sostiene Tabarovsky, nace una pintura cuya naturaleza inestable, incluso desquiciada, resulta de la imposibilidad de resolver la tensión de opuestos de la que está hecha. En diálogo con esta interpretación, Claudio Iglesias revisa el debate crítico que se dio en torno a la obra de Siquier durante los años noventa y, a partir de allí, plantea la hipótesis de que es en el trascendentalismo de la proyectación donde la obsesión que Siquier demuestra por el diseño le contesta, bajo las formas de lo monstruoso y de lo muerto, al idealismo funcionalista de ciertas vanguardias (el arte concreto, entre ellas).


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    En este libro se reúnen los textos programáticos, manifiestos y declaraciones de principios de la historia del arte argentino moderno y contemporáneo. Desde los protomanifiestos iniciales y antecedentes del siglo veinte pasando por las vanguardias con sus manifiestos propiamente dichos, hasta llegar a los artistas y grupos más actuales.
    Manifiestos argentinos no sólo analiza e investiga la propia figura ideológica, estética y política del manifiesto como tal, sino también su función y cambios a lo largo de cien años. A través del libro, donde queda demostrado que las artes visuales son también un terreno de disputas que exceden el terreno artístico, se puede leer además cómo a lo largo del siglo xx el arte ha sido tomado, según cada momento histórico, como herramienta pedagógica, como arma política, como juego de colores y formas, como expresión estetizante, como pura discursividad, como parte de otros campos de la cultura, como ejercicio autorreferencial, como utopía social, entre otras variantes.
    Los textos de Fernando Fader y Martín Malharro, Xul Solar y Emilio Petorutti, Lucio Fontana, Antonio Berni y Tomás Maldonado son sólo algunos de los que van construyendo, de manera inteligente y polémica, esta historia de las disputas y programas artísticos: las políticas de lo visual del arte argentino del siglo xx.


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    Al margen de toda corriente estética, entendido por la crítica a la vez como un artista que retomó la tradición del arte concreto en la Argentina, como puro formalista o excéntrico cabalista, Fabio Kacero ha creado una obra que puede absorber discursos ajenos y esquivarlos al mismo tiempo. Hasta hace unos años, el artista era más conocido por un conjunto de enormes e impenetrables acolchados y una serie de diminutas e íntimas cajitas de transparencias. Sólo unos pocos habían tenido acceso a un archivo de trabajos que, en su vastedad y riqueza, ponían en jaque varios de los presupuestos que hasta entonces se habían esbozado sobre su obra. Por primera vez, este libro presenta un panorama de su inagotable producción. Aquí están sus tempranos paneles minimalistas, sus envoltorios, sus capitonés, pero también su producción más secreta, esa que sólo en los últimos años ha comenzado a asomar: sus Lenf, sus videos, su interés por la literatura, y la que es quizás la actitud que completa su obra: sus performances. Porque si hay un artista en la Argentina que en la década del noventa parece haber entrelazado vida y obra al punto tal que ya no se distingue dónde termina el hombre y dónde empieza su creación, ese es Fabio Kacero.


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    “La estética nazi” ofrece un exhaustivo recorrido por el interior del mito del nacional-socialismo; examina sus metáforas y da cuenta de su estructura. Según Éric Michaud, ese mito apeló a dos grandes modelos: el arte y el cristianismo. El propio Hitler se presentaba como el “Cristo alemán” y como el “artista de Alemania” y asimilaba el trabajo a la actividad artística con la expresión “trabajo creador”.condición de artista del Führer, la visibilidad del genio y su reproducción, las imágenes de la temporalidad nazi, el estatuto de la experiencia vivida en el ámbito de la pintura, las intersecciones entre artistas, trabajadores y soldados, la incidencia doctrinaria –y sus conflictivas relaciones– de figuras como las de Gottfried Benn y Richard Wagner; todo ese arco es recorrido por el apasionante ensayo de Michaud, a 70 años del comienzo de la Segunda Guerra Mundial.


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    La obra del artista argentino Beto De Volder puede ser vista como una legítima heredera de la tradición inaugurada por el abstraccionismo rioplatense. Las relecturas de su producción siguen dando consenso para decir que se remite a las vanguardias de los años cuarenta con un sólido anclaje contemporáneo.

    La publicación se organiza a partir del esquema con el que el propio De Volder explica e ilustra su trabajo: un diagrama de conjuntos con el dibujo en el centro, como génesis de un sinfín de series y variaciones. Por su naturaleza expansiva y continua, por la inestabilidad y complejidad de sus formas, por combinar citas del mundo pop con citas de la historia del arte, el diagrama funciona como síntesis y llave del universo De Volder. Beto De Volder abandonó el ambiente artístico en 1996. En lo que iba de la década, había ya participado de los espacios más relevantes para su generación. Pero, dentro de una escena que se estaba despidiendo de los últimos resabios del expresionismo y abrazaba la causa neoconceptual, De Volder de cansó de la exigencia de tener que justificar una y otra vez su trabajo. Retomó entonces el dibujo, que ya había aparecido en sus primeras obras para convertirlo en el núcleo de su producción.


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    Quienes vienen siguiendo la carrera de Ernesto Ballesteros parecen acostumbrados a que, en cada exposición o evento que organiza, encontrarán algo completamente distinto de lo último que vieron. Quienes no lo conocen, quizás nunca asociarían dos de sus obras al mismo artista. Desde el cómic a la pintura, desde la pintura al dibujo, y de ahí a la fotografía, la organización de juegos, campeonatos, sesiones de peluquería y otra vez al dibujo, Ernesto Ballesteros ha investigado las posibilidades que el arte le ofrecía para decidirse por un absoluto rechazo a la necesidad de elegir.


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    Figura esencial en la articulación del arte de los ochenta con el de los noventa, docente de artistas desde hace más de tres décadas, pintora de género y materializadora de objetos, muestras y diccionarios colectivos, Diana Aisenberg es una personalidad indiscutiblemente influyente en el arte argentino de las últimas décadas. Sin embargo, hasta ahora, el cuerpo de obra que produjo, tan numeroso como complejo, permanecía oculto detrás de su enérgica función de educadora.


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    A nosotros, lectores póstumos, se dirige Michaux cuando pide: “No me den por muerto aunque los diarios hayan anunciado que ya no estoy. Me haré más humilde de lo que soy ahora. Será preciso hacerlo. Cuento contigo, lector, contigo que vas a leerme algún día, contigo lectora. No me dejes solo con los muertos como un soldado en el frente que ya no recibe cartas. Elígeme entre ellos por mi gran ansiedad y mi gran deseo. Háblame entonces, te lo ruego, cuento con ello.” La ironía del mensaje escrito en 1928 y dirigido a los jóvenes del 2050, o a los que desean tan ávidamente un futuro de sensaciones inauditas, se torna una apelación conmovedora de una vida intensa, ahora escrita y pintada, para que su unicidad no se pierda del todo. Del prólogo de Silvio Mattoni


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    Esta antología ambiciona plasmar una “galaxia” contemporánea a la figura central de Flaubert: desde la sombra de su ídolo Victor Hugo hasta las páginas de algunos de sus “hijos espirituales” como Maupassant o Zola (desde el romanticismo hasta el naturalismo), pasando por sus amigos o más cercanos interlocutores. Para ello, se ha recurrido a varios textos inéditos o muy poco difundidos en lengua española. El resultado excede el primer objetivo: las obras seleccionadas pueden leerse como el retrato de una época, corazón del siglo XIX, en la que Francia se ubicó al frente de la producción y el debate literarios, o también pueden recorrerse las semblanzas de los catorce autores aquí reunidos como una impensada “comedia humana”.


    Galaxia Flaubert 16,00
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    Al cumplirse 25 años de la muerte de Jorge Luis Borges este libro representa un original acercamiento al universo del mejor escritor en lengua castellana del siglo XX.

    Del mismo modo que todo escritor “crea” a sus precursores, puede pensarse que también deja plasmado eso que hemos querido llamar aquí “galaxia”: una suerte de telaraña que une a diferentes escritores que supieron cumplir roles de lo más variados: maestros o discípulos, rivales o cómplices, interlocutores varios, colaboradores cercanos, coautores ocasionales, etc. Esta antología recorre la producción literaria de dieciséis escritores argentinos que, por alguna u otra razón, han estado vinculados a la vida o a la obra de Borges, si no a ambas. Los cuentos dan cuenta de algún aspecto o de alguna faceta de Borges. Más aún, en alguno de ellos el propio autor de “El Aleph” aparece como personaje.


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    Como todo gran escritor cuyo nombre ha suscitado un adjetivo (“dantesco”, “borgeano”), Kafka se ha convertido en referencia, motivo y personaje de ficciones ajenas.En tal sentido Galaxia Kafka incluye una parábola del rabino Nachman de Breslov –versión de Martin Buber. También, un cuento de Hawthorne donde se puede reconocer retrospectivamente la “inquietante extrañeza” de Kafka. El praguense Johannes Urzidil le inventa una segunda vida al escritor, en esa América que había imaginado. El relato de Paul Leppin es un negativo de los de Kafka. En el cuento del checo Bohumil Hrabal, Kafka ronda como un fantasma. También están presentes Bruno Schulz, cuya breve obra sobreviviente no cesa de crecer con el tiempo; Isaac B. Singer, Shirley Jackson, Reinhard Lettau, Guy Davenport y Timo Berger. Entre los autores de lengua castellana: la autodestrucción, perversión, sutileza y homenaje de Virgilio Piñera, J. R. Wilcock, Santiago Dabove, Julio Cortázar, Juan Manuel Roca y William Ospina.


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    Toda la producción dramática de Rafael Spregelburd es una investigación, cada vez más profunda y aguda, sobre el lenguaje como principio de realidad del hombre.


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    “El Siluetazo” es la más recordada práctica artístico-política que proporcionó una potente visualidad en el espacio público al movimiento de derechos humanos a fines de la última dictadura argentina.

    En este volumen se reúne por primera vez una serie de documentos (escritos y fotográficos),testimonios e interpretaciones hasta ahora dispersos o inéditos. Los materiales y los registros de escritura son notoriamente polifónicos y no apuestan a un relato único. Configuran, más bien, un collage aún por completarse, ejercicios de una memoria en conflicto.


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    Junto con Kafka y Joyce, Broch es uno de los escritores que contribuyó a la renovación profunda de la literatura moderna, a partir de las primeras décadas del siglo XX. El maleficio es la última novela que Hermann Broch escribió y fue publicada póstumamente, por su hijo. La presente es la primera edición en castellano de una obra capital de la literatura del siglo XX, en la que se narra bajo la forma de la novela de intriga –entre la fluidez del discurso cinematográfico y la reflexión filosófica–, el origen del nazismo en un pequeño pueblo centroeuropeo, a través de la mirada “objetiva” de un médico. “El maleficio de Broch es una de las novelas más importantes del siglo XX y quizás sea más significativa que el Doctor Faustus de Thomas Mann. En ambas se trata de develar las raíces del nazismo a través de la forma poética de la literatura”. George Steiner


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    Nunca el fuego de la Hoguera estuvo más ávido que durante el Concilio de Trento. Mientras se establecía el Dogma, en pleno Renacimiento, se sucedían fanáticos enfrentamientos y enconados conflictos político-religiosos. En ese marco prosperó, hacia el último año del Concilio (1563), la clandestina, subterránea relación entre uno de los más prestigiosos prelados que asistieron a la Sacra Asamblea, el obispo Procopius, y su aventajada discípula, la juvenil y bella Gitona. Procopius, de la Orden Jesuita, varón de edad provecta, personalidad complejísima, renombrado teólogo, pensador profundo, musicólogo y excelso intérprete del órgano, profesó una desmedida pasión por Gitona y sus encantadoras y precoces astucias, hasta que la Providencia dio a sus destinos un brusco, inesperado vuelco. Trento concilia todos los géneros literarios, hasta narrar el encuentro final con un Dios impasible, ilusorio e irónico.


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    Dardo, un argentino en plan turístico, desciende en el aeropuerto de La Habana y de inmediato percibe ciertas anomalías. Minutos más tarde queda envuelto en una conspiración que no comprende. Entre otras asechanzas conoce a la exuberante Moncada, tal vez una simple chica de la noche habanera. Pero frenéticas acciones de espionaje y contraespionaje inflaman una pasión desmesurada que no se distingue de vertiginosas orgías de violencia. Además del propio Fidel Castro, un conjunto de personajes desopilantes o estrafalarios intenta sobrepasar en disparate a la realidad histórica contemporánea y a menudo lo logra. Extremos incidentes sexuales relatados con maestría anticipan el desenlace, pero Dardo ignora casi todo. Ignora que al fin tomará una decisión terrible. A partir de aquel género de novelas que prosperó durante la guerra fría, Moncada -escrita por dos artistas de culto en una jocosa colaboración vía correo electrónico- escarba en clave de humor sobre la configuración del mundo después del colapso del socialismo real y sobre el poder destructivo del dinero. Su dinámica cinematográfica tiene como paisajes imaginarios a la isla de Cuba, el mar de las Antillas, Colombia, un Caribe difuso.


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    La investigación de Buch (narrada como una crónica) simultáneamente indaga sobre la estética, la música, las fuentes y las citas de la ópera propiamente dicha, mientras establece un cuadro del funcionamiento del poder autoritario. Es también un mapa ideológico e intelectual del Estado, la opinión pública, la prensa y la “Intelligentsia” argentina de la década del sesenta, que en muchos casos aún pervive en los pliegues y repliegues del poder. De Leopoldo Torre Nilsson a Luigi Nono, pasando por la Academia de Bellas Artes, artistas e intelectuales se movilizan contra la censura –en vano, pues en la Argentina la obra se estrenará recién en 1972.


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    Bertolt Brecht. Su vida, su obra, su época es el mayor estudio biográfico y crítico traducido al español sobre uno de los grandes artistas e intelectuales del siglo XX. Esta obra monumental presenta a Brecht como poeta, dramaturgo, teórico del teatro, cuentista y pensador, en el contexto de la historia alemana y del mundo, con las que estaba absolutamente comprometido. Para su investigación, Frederic Ewen se basó en múltiples fuentes de primera mano, especialmente en material inédito de los Archivos Brecht de Berlín, así como en obras de y sobre Brecht, apuntes del Berliner Ensamble y testimonios de la esposa de Brecht, Helene Weigel. El libro comienza describiendo la situación sociopolítica y cultural de Alemania en los primeros años del siglo XX, e introduciendo las tensiones de la época, la infancia de Brecht, su formación, las relaciones con el expresionismo, la ruptura con la tradición romántica, sus vinculaciones con artistas e intelectuales (Piscator, Grosz y Kurt Weill, entre otros), el descubrimiento del marxismo, y el análisis de su obra poética y teatral hasta el ascenso de Hitler al poder. A esta primera etapa sigue el largo exilio europeo y norteamericano en Escandinavia y en Hollywood, cuando escribe algunas de sus obras capitales. Se relata y analiza el trabajo de Brecht con Fritz Lang, así como su aislamiento respecto de otros grandes autores alemanes exiliados en los Estados Unidos, como Thomas Mann. A fines de la década del cuarenta Brecht regresa a Alemania, donde participa activamente de las polémicas sobre la concepción de la estética realista y comienza su trabajo consagratorio con el Berliner Ensemble. El libro incluye la transcripción del interrogatorio al que Brecht fue sometido por el Comité de Actividades Antinorteamericanas dirigido por el senador McCarthy. Frederic Ewen ofrece una biografía intelectual en la que profundiza sobre la obra, el pensamiento y el compromiso político de Brecht, y con la que consigue un perfecto equilibrio entre el análisis crítico y la trama biográfica. Bertolt Brecht… constituye la mejor introducción para acercarse al teatro y a la lectura del autor de Galileo.


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    Imprevistas y fascinantes, las crónicas de Revelación de un mundo, publicadas entre 1967 y 73 en el Jornal do Brasil, envuelven al lector en un proceso casi iniciático.

    Cansada del trabajo periodístico pero necesitada de dinero, como con franqueza reconocía, Clarice Lispector acepta escribir crónicas para el Jornal do Brasil. Lo hace durante siete años, entre 1967 y 1973. Desde su vida solitaria en Leme, cerca de Copacabana, Clarice fue construyendo una escritura particular, situada en la confluencia de paradigmas puestos en tensión. Su obra abarca el realismo, el naturalismo, la prosa poética, el romanticismo y el simbolismo, tejidos en una suerte de “realidad adivinada”.


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    Este libro es una biografía literaria que resulta del abordaje crítico de los textos de la gran escritora brasileña Clarice Lispector (1925-1977) por parte de una de las mayores especialistas en su obra. A lo largo de las novelas, cuentos, cartas, crónicas y anotaciones sueltas de Clarice se diseminan datos de carácter autobiográfico que Nádia Battella Gotlib despliega para dar a conocer a una escritora cautivante, en la búsqueda de develar los misterios que rodearon su vida. “Clarice, una vida que se cuenta” es el más completo y acabado acercamiento realizado hasta el momento a la vida y la obra de una de las autoras más deslumbrantes de la literatura moderna, de quien Adriana Hidalgo publicó las crónicas agrupadas en “Revelación de un mundo”.


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    El ensayo de Gabriella Fiori propone un recorrido intelectual por los escritos de Simone Weil. Describe su formación filosófica y los cambios en su vida vinculados con las sucesivas “conversiones” en el orden del pensamiento. Dado que la publicación de casi toda la obra de Weil fue póstuma, Fiori establece el sentido general de la visión de la gran pensadora, relacionando sus estudios de filosofía clásica, la originalidad de su análisis del punto de vista marxista sobre la lucha de clases y el descubrimiento fundamental de la religión con sus actitudes políticas y vitales. El libro de Fiori, premiado en Europa y construido sobre la base de una gran abundancia de citas de Weil, es de lectura imprescindible para introducirse en la complejidad filosófica de esta gran autora.


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    “El mundo de Wagner” nos ofrece la oportunidad de recorrer su vida y su obra, a través de los testimonios, impresiones y recuerdos de quienes mejor lo conocieron.

    “El mundo de Wagner” es una biografía coral y caleidoscópica, rica y contradictoria, con múltiples puntos de vista, de más de sesenta personalidades, familiares, colegas, amigos y enemigos, como Robert Schumann, Friedrich Nietzsche, Auguste Renoir, la reina Victoria, Meyerber, Ludwig II de Baviera o Engelbert Humperdinck. Con estos relatos vívidos de sus contemporáneos se recupera la inmediatez que se fue perdiendo en todos los libros y estudios posteriores sobre su vida y obra.


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    Descubrir al verdadero Satie detrás de su imagen pública, cuidadosamente cultivada, es una tarea difícil. Incluso esta imagen exterior era contradictoria: el personaje vestido de pulcro funcionario burocrático era al mismo tiempo un insobornable iconoclasta en su arte, que con la máscara de bufón ocultaba al compositor serio y al riguroso profesional. Satie, íntimo amigo de Debussy, en este libro es retratado por sus amigos y conocidos como un auténtico genio incomprendido, alcohólico –murió de cirrosis a los 59 años–, de humor corrosivo, comportamiento infantil y temperamento explosivo, que se llevaba tan bien con plomeros como con poetas y princesas. Al mismo tiempo era un gran conversador, cortés y excesivamente educado y moralista.


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    “Ningún compositor ejerció sobre la música del siglo veinte -dice Norman Lebrecht- una influencia mayor que Gustav Mahler; ninguno puso más de sí mismo en su música. Estas verdades resultan tan inseparables como evidentes.” El mundo de Mahler reúne de manera exhaustiva todo el material mahleriano, incluyendo testimonios y documentos hasta ahora desconocidos, que se complementan con introducciones y notas. El resultado es tan iluminador, apasionado, dramático y por momentos tan contradictorio que produce un efecto sumamente vívido. Aquí hablan de la vida y al obra de Mahler sus colegas, discípulos, familiares, amigos, rivales y enemigos; Richard Strauss, Peter Tchaicovsky, Alma Mahler, Arnold Schoenberg, Anton von Webern, Romain Rolland, Jean Sibelius, Alban Berg, Sergei Rachmaninov, Sigmund Freud, Stefan Zweig y Thomas Mann, entre muchos otros. “Gustav Mahler era un mártir, un santo, uno de los hombres m[as grandes que han existido. No se trata de si era buen o mal; compositor. Los grandes hombres hacen todo de una única e idéntica manera: con grandeza.” Arnold Schoenberg El mundo de Mahler es el segundo título de la colección iniciada con El mundo de Ravel, una serie de investigaciones, tan rigurosas como entretenidas, sobre los grandes compositores desde el siglo XVII hasta el XX. Cada volumen reúne testimonios de primera mano, opiniones, críticas, textos fragmentarios, cartas, citas de diarios, revistas y de las más variadas fuentes éditas e inéditas. La suma de recuerdos de familiares, amigos y colegas se van enlazando en una estructura y un montaje que permiten leerlos como un asedio biográfico, estético e histórico, sumamente vívido. Cada libro de la serie reconstruye la vida, la personalidad, la concepción musical y el tiempo de los compositores. Además se ofrece una cronología completa del músico y su contexto cultural. Se trata de libros accesibles que constituyen una lectura esencial, no sólo para amantes de la música, estudiantes y profesores, sino también para quienes deseen conocer profundamente el mundo de cada compositor.


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    “Ningún compositor ejerció sobre la música del siglo veinte -dice Norman Lebrecht- una influencia mayor que Gustav Mahler; ninguno puso más de sí mismo en su música. Estas verdades resultan tan inseparables como evidentes.” El mundo de Mahler reúne de manera exhaustiva todo el material mahleriano, incluyendo testimonios y documentos hasta ahora desconocidos, que se complementan con introducciones y notas. El resultado es tan iluminador, apasionado, dramático y por momentos tan contradictorio que produce un efecto sumamente vívido. Aquí hablan de la vida y al obra de Mahler sus colegas, discípulos, familiares, amigos, rivales y enemigos; Richard Strauss, Peter Tchaicovsky, Alma Mahler, Arnold Schoenberg, Anton von Webern, Romain Rolland, Jean Sibelius, Alban Berg, Sergei Rachmaninov, Sigmund Freud, Stefan Zweig y Thomas Mann, entre muchos otros. “Gustav Mahler era un mártir, un santo, uno de los hombres m[as grandes que han existido. No se trata de si era buen o mal; compositor. Los grandes hombres hacen todo de una única e idéntica manera: con grandeza.” Arnold Schoenberg El mundo de Mahler es el segundo título de la colección iniciada con El mundo de Ravel, una serie de investigaciones, tan rigurosas como entretenidas, sobre los grandes compositores desde el siglo XVII hasta el XX. Cada volumen reúne testimonios de primera mano, opiniones, críticas, textos fragmentarios, cartas, citas de diarios, revistas y de las más variadas fuentes éditas e inéditas. La suma de recuerdos de familiares, amigos y colegas se van enlazando en una estructura y un montaje que permiten leerlos como un asedio biográfico, estético e histórico, sumamente vívido. Cada libro de la serie reconstruye la vida, la personalidad, la concepción musical y el tiempo de los compositores. Además se ofrece una cronología completa del músico y su contexto cultural. Se trata de libros accesibles que constituyen una lectura esencial, no sólo para amantes de la música, estudiantes y profesores, sino también para quienes deseen conocer profundamente el mundo de cada compositor.


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    El mundo de Gershwin es el tercer título de la colección iniciada con El mundo de Ravel y El mundo de Mahler; una serie de investigaciones, tan rigurosas como entretenidas, sobre los grandes compositores de la modernidad. Cada volumen reúne testimonios de primera mano, opiniones, críticas, textos fragmentarios, cartas, citas de diarios, revistas y de las más variadas fuentes éditas e inéditas. La suma de recuerdos de familiares, amigos y colegas se van enlazando en una estructura y un montaje que permiten leerlos como un asedio biográfico, estético e histórico, sumamente vívido. Sobre Gershwin ofrecen su testimonio Ira Gershwin, Fred Astaire, Arnold Schoenberg, Ralph Vaughan Williams, Paul Whiteman y Jerome Kern, entre otros. Cada libro de la serie reconstruye la vida, la personalidad, la concepción musical y el tiempo de los compositores. Además se ofrece una cronología completa del músico y su contexto cultural. Se trata de libros accesibles que constituyen una lectura esencial, no sólo para amantes de la música, estudiantes y profesores, sino también para quienes deseen conocer profundamente el mundo de cada compositor.


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    Compositor genial, aristocrático y antiburgués, Achille-Claude Debussy murió en 1918, a los 55 años, mientras París era bombardeada, durante la Primera Guerra Mundial. Fue el autor de varias de las mejores y mas refinadas e influyentes obras del repertorio universal, como Claro de luna, Preludio a la siesta de un fauno, Nocturnos o El mar. Escribió también admirables sonatas, preludios y un cuarteto de cuerdas. Debussy fue un escéptico y un misántropo, de personalidad compleja y contradictoria. Como a Ravel no le gustaba hablar sobre música, aunque a sus íntimos les confesó que admiraba la obra de Chopin, Schuman y Bach y detestaba a Wagner y a Beethoven. Este volumen de Roger Nichols- autor de El mundo de Ravel, publicado por Adriana Hidalgo editora- es producto de una minuciosa investigación, que reúne relatos iluminadores sobre al vida y la obra de Debussy -incluidos testimonios y documentos que se complementan con introducciones y notas-, tomados de quienes mejor lo conocieron: Erik Satie, Paul Dukas, Colette, Igor Stravinsky, Marguerite Long, Ricardo Viñes, Darius Milhaud y Ernest Ansermet, entre otros. El mundo de Debussy es el cuarto título de la colección iniciada con El mundo de Ravel, El mundo de Mahler y El mundo de Gershwin; una serie de investigaciones, tan rigurosas como entretenidas, sobre los grandes compositores de la modernidad. Cada volumen reúne testimonios de primera mano, opiniones, críticas, textos fragmentarios, cartas, citas de diarios, revistas y de las más variadas fuentes éditas e inéditas. La suma de recuerdos de familiares, amigos y colegas se van enlazando en una estructura y un montaje que permiten leerlos como un asedio biográfico, estético e histórico, sumamente vívido. Sobre Debussy ofrecen su testimonio, Bela Bartok, Colette, Erik Satie, Paul Dukas, Igor Stravinski, entre otros. Cada libro de la serie reconstruye la vida, la personalidad, la concepción musical y el tiempo de los compositores. Además se ofrece una cronología completa del músico y su contexto cultural. Se trata de libros accesibles que constituyen una lectura esencial, no sólo para amantes de la música, estudiantes y profesores, sino también para quienes deseen conocer profundamente el mundo de cada compositor.


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    El mundo de Bartók, al modo de una biografía múltiple y coral, presenta un centenar de testimonios y evocaciones sobre Béla Bartók.

    Desde los relatos de su familia directa -madre y hermanos, luego sus viudas y sus hijos; también sus amigos íntimos- hasta los testimonios de grandes compositores y colegas como Zoltán Kodály, Igor Stravinsky, Yehudi Menuhin, Arthur Honegger, Darius Milhaud y Francis Poulenc, o la visión de sus discípulos Antal Dorati y Georg Solti. Aquí se recorren los primeros años en la Hungría provincial de fines del siglo XIX; sus estudios, viajes, vida privada; sus grandes composiciones; hasta los recuerdos del final de su vida, en Nueva York, donde muere en septiembre de 1945.

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    A través de más de sesenta imágenes de color, esta publicación recorre las distintas obras de Gordín: sus primeras pinturas y maquetas, entre las que se destaca Scoop, el robot que cobra vida; los “gordinoscopios”, unas enormes cajas con mirilla para asomarse; la serie espacial que, plena de referencias al cine y a los cómics, muestra el futuro tal como podría haber sido imaginado en el pasado; las posibles cubiertas de revistas “pulp” realizadas en marquetería; el Museo de Arte Zombie, que se publica por primera vez en este volumen y que es la libre recreación de narraciones y leyendas sobre muertos y aparecidos… “Gordín” es el quinto de una serie de libros sobre artistas contemporáneos argentinos, publicada por Adriana Hidalgo editora en colaboración con Ruth Benzacar Galería de Arte. El volumen incluye un texto ensayístico de Graciela Speranza y un diálogo entre Gordín y Alfredo Prior.


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    Este diccionario traza las distintas, múltiples, caleidoscópicas y casi infinitas historias del arte, según un criterio que combina la razón artística con la poética y la científica. El proyecto de este diccionario-exhibido como obra de arte en museos y galerías-involucra no sólo a la artista que lo firma, sino a seiscientos colaboradores que, vía correo electrónico, aportaron su trabajo y creatividad durante varios años.


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    El drama de la inmigración ilegal en Europa contado a través de historias personales que señalan la inoperancia de la UE para frenar esta catástrofe humanitaria.

    La prestigiosa autora italiana Maria Pace Ottieri cuenta en este libro el fin de una época y el comienzo de otra, a través de la odisea de los miles de inmigrantes clandestinos que buscan en Italia la entrada a un nuevo mundo: un universo hecho de la trama de los sueños con la desesperación. “Cuando has nacido…” es un libro inclasificable, magníficamente escrito. Se lo ha catalogado como texto de ciencias sociales, como un ensayo periodístico, un libro antropológico y como una crónica de viajes. “Cuando has nacido…” fue llevado al cine por Marco Tullio Giordana uno de los más relevantes y premiados cineastas del nuevo cine italiano, director de “La mejor juventud” y “Pasolini, un delito italiano”, entre otras.


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    “La característica de Argentina es una belleza joven y ‘baja’, próxima al suelo, y no se la encuentra en cantidades apreciables en las capas medias o superiores. Aquí únicamente el vulgo es distinguido. Sólo el pueblo es aristócrata. Únicamente la juventud es infalible. Es un país al revés, donde el pillo vendedor de una revista literaria tiene más estilo que todos los colaboradores de esa revista, donde los salones –plutocráticos o intelectuales– espantan por su insipidez, donde al límite de la treintena ocurre la catástrofe, la total transformación de la juventud en una madurez por lo general poco interesante.” Witold Gombrowicz Gombrowicz les dice a sus compatriotas en su Diario que no traten de rivalizar con Occidente y sus formas, sino que traten de tomar conciencia de la fuerza que implica su propia y no acabada forma, su propia y no acabada inmadurez; con todo lo que ello supone de fresca y franca libertad en un mundo de formas fosilizadas. En suma, recomienda y practica él mismo la barbarie dionisíaca, haciendo de su juventud e inmadurez una potencia renovadora. Buena lección para nosotros. Ernesto Sabato “¿Qué pasa cuando uno pertenece a una cultura secundaria? ¿Qué pasa cuando uno escribe en una lengua marginal? Sobre estas cuestiones reflexiona Gombrowicz en su Diario y la cultura argentina le sirve de laboratorio para experimentar sus hipótesis. En este punto Borges y Gombrowicz se acercan. Ricardo Piglia “Piglia dice que Gombrowicz es el mejor escritor argentino del siglo XX. Es sin duda una exageración irónica destinada a poner a prueba el nacionalismo argentino, pero no es totalmente inexacta; el tema witoldiano por excelencia, la inmadurez, lo inacabado –que él atribuía a la cultura polaca– venía siendo de un modo inequívoco, desde los años veinte, la preocupación esencial de los intelectuales argentinos.” Juan José Saer


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    “La característica de Argentina es una belleza joven y ‘baja’, próxima al suelo, y no se la encuentra en cantidades apreciables en las capas medias o superiores. Aquí únicamente el vulgo es distinguido. Sólo el pueblo es aristócrata. Únicamente la juventud es infalible. Es un país al revés, donde el pillo vendedor de una revista literaria tiene más estilo que todos los colaboradores de esa revista, donde los salones –plutocráticos o intelectuales– espantan por su insipidez, donde al límite de la treintena ocurre la catástrofe, la total transformación de la juventud en una madurez por lo general poco interesante.” Witold Gombrowicz Gombrowicz les dice a sus compatriotas en su Diario que no traten de rivalizar con Occidente y sus formas, sino que traten de tomar conciencia de la fuerza que implica su propia y no acabada forma, su propia y no acabada inmadurez; con todo lo que ello supone de fresca y franca libertad en un mundo de formas fosilizadas. En suma, recomienda y practica él mismo la barbarie dionisíaca, haciendo de su juventud e inmadurez una potencia renovadora. Buena lección para nosotros. Ernesto Sabato “¿Qué pasa cuando uno pertenece a una cultura secundaria? ¿Qué pasa cuando uno escribe en una lengua marginal? Sobre estas cuestiones reflexiona Gombrowicz en su Diario y la cultura argentina le sirve de laboratorio para experimentar sus hipótesis. En este punto Borges y Gombrowicz se acercan. Ricardo Piglia “Piglia dice que Gombrowicz es el mejor escritor argentino del siglo XX. Es sin duda una exageración irónica destinada a poner a prueba el nacionalismo argentino, pero no es totalmente inexacta; el tema witoldiano por excelencia, la inmadurez, lo inacabado –que él atribuía a la cultura polaca– venía siendo de un modo inequívoco, desde los años veinte, la preocupación esencial de los intelectuales argentinos.” Juan José Saer


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    Se trata de un autor judío que, poco tiempo antes del surgimiento del nazismo, durante la Alemania de los años veinte, reflexionaba profundamente sobre el prójimo: “Soy desde el otro, soy desde un tú”.Rosenzweig coloca al hombre en un papel central de su sistema filosófico, como sujeto libre y responsable del acaecer ético e histórico. El nuevo pensamiento es un texto en el que el propio filósofo introduce y explica al lector, de manera accesible, su compleja y difícil obra cumbre: La estrella de la redención.


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    “El que duerme despierto” es una navegación sin rumbo ni brújula, un paseo soñador como los que suscitan la visión de un árbol, de una flor… como cuando trazamos un camino a través del campo sin saber adónde nos conducirán nuestros pasos. En estas páginas, la fuente de la ensoñación fueron una pintura, una fotografía, algunos encuentros pasajeros, a veces una lectura. Ensueños, sueños y ensoñaciones, de las que nacen literatura, arte y música… Si los amamos a tal punto, ¿será acaso porque nos ofrecen una segunda vida y nos brindan por un tiempo la ilusión de librarnos de la muerte? J.-B. Pontalis


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    “La obra de cualquier escritor, y en especial la de los autores consagrados, debe ser leída con espíritu crítico, sin ningún tipo de inhibiciones, o supersticiones literarias. La actitud reverencial es ciega; no admite la pluralidad de lecturas y de significados; fomenta la obsecuencia; sacraliza al escritor y lo convierte en placa recordatoria, estatua, nombre de calle o avenida. De ahí que el título del libro proponga, en cierta modo, la saludable práctica de la irreverencia para con todo, incluso la ortografía”. Juan José Hernández Escritos irreberentes reúne ensayos críticos de Juan José Hernández sobre Borges, José Bianco, Pablo Neruda, Octavio Paz, Bioy Casares, Rubén Darío y Silvina Ocampo, entre otros, publicados en suplementos culturales de diarios de Buenos Aires y de Tucumán como también en revistas literarias locales y del extranjero; otros textos, por tratarse de conferencias, permanecieron inéditos hasta ahora. El libro lleva, a manera de epílogo, uno de sus últimos poemas narrativos: “El tiempo circular”.


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    Un exhaustivo ensayo de Emanuele Coccia, Doctor en Filosofía Medieval por la Universidad de Florencia, que revisa las categorías centrales de Averroes y de quienes las retomaron. Dice en el estudio preliminar de este libro Giorgio Agamben: “La imaginación es un descubrimiento de la cultura medieval pero es en el pensamiento de Averroes donde este descubrimiento alcanza su pleno desarrollo. El “experimentum crucis” del averroísmo tiene que ver, como lo habían entendido sus adversarios, con la relación entre el intelecto posible, que es único y separado, y los individuos singulares. La imaginación recibe de este modo un rango determinante en todo sentido: en el vértice del alma individual, en el límite entre lo corpóreo y lo incorpóreo, lo individual y lo común, la imaginación es la escoria extrema que la combustión de la existencia individual abandona en el umbral de lo separado y de lo eterno.” Giorgio Agamben


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    Prólogo de Remo Bodei “Me he esmerado en no ridiculizar, ni lamentar ni detestar las acciones humanas, sino en entenderlas. Y por eso he contemplado los afectos humanos como el amor, el odio, la ira , la envidia, la gloria, la misericordia y las demás afecciones del alma, no como vicios de la naturaleza humana sino como propiedades que le pertenecen del mismo modo que el calor , el frío, la tempestad, el trueno y otras cosas por el estilo forman parte de la naturaleza del aire.” Baruch Spinoza El libro de Diego Tatián tiene por objeto específico la relación entre las pasiones y la política en Spinoza, pero plantea implícitamente cuestiones de más amplio radio e interés, que en el filósofo holandés encuentran resoluciones ejemplares: en qué sentido las pasiones configuran un elemento constitutivo de la política, sea para quién gobierna como sobre todo para quien es gobernado. ?Debe la política basarse únicamente en la racionalidad o bien admite, en sentido positivo, también a las pasiones como factor de cohesión? Tales interrogantes que irrumpen en los albores del Estado y la democracia modernos, implican no tanto un control represivo de las pasiones cuanto su uso orientado a la consolidación de la controversia entre ciudadanos… El libro es un análisis lúcido y a la vez apasionado de la temática spinozista, conducido a través de un riguroso conocimiento del entero Corpus textual de Spinosa. Al individuar de manera original los núcleos problemáticos esenciales del pensamiento político de Spinoza, el autor nos ayuda, asimismo, a una comprensión de nuestros propios problemas.” Remo Boldei


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    La enorme influencia de la literatura irlandesa moderna -desde Swift hasta Beckett, pasando por Wilde, Shaw y Joyce- es central para la literatura universal moderna y contemporánea. La invención de Irlanda, con una gran erudición, sabiduría y humor, coloca a la literatura irlandesa desde fines del siglo XVIII hasta fines del XX, en el marco del análisis socio-político e histórico. En reconocimiento por el monumento ensayístico en que se convirtió “La invención de Irlanda”, Declan Kiberd recibió el Premio Oscar Wilde por sus logros literarios y el premio al mejor libro de no ficción otorgado por el Irish Times.


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    El recorrido crítico de Diedrich Diederichsen atraviesa zonas relegadas de la historia de la cultura y la vanguardia artística para detenerse en ciertos momentos, producciones y objetos que parecían destinados al archivo. El autor rescata lúcidamente materiales que alguien asociaría a la memorabilia de un siglo XX en vías de ser olvidado.

    ¿Qué pueden aportar a nuestra comprensión de la historia y la cultura ciertas producciones de la cultura pop, como las canciones de los Beatles o de los Talking Heads, la pornografía indie, el sobre de los viejos discos de vinilo o los espacios urbanos de reunión y encuentro juveniles? La respuesta de Diederichsen recuerda a teóricos marxistas como Walter Benjamin y, sobre todo, Ernst Bloch, porque propone entender toda producción cultural y artística como un modo en que los hombres y mujeres procesan su experiencia, y en la que se dejan entrever proyecciones de su situación histórica, entremezcladas con alusiones a un horizonte de futuro que sería constitutivo de los seres humanos.


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    Jorge Herralde, fundador y director de Anagrama, vive y habita la edición como religión, credo, way of life, forma de ser, el alfa y el omega, el principio y, sobre todo, el fin de todas las cosas. El título bajo el que Herralde hace comulgar a estas páginas –El observatorio editorial– me parece acertado y revelador. Herralde es uno de esos profesionales que no se limita a leer primero y a editar después, sino que –antes y durante y después– también observa. Rodrigo Fresán


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    Dos grandes artistas argentinos de distintas generaciones y ópticas estéticas, reflexionan a fondo sobre el arte moderno y contemporáneo sin ocultar sus diferencias. Muchas veces se cree que el artista es incapaz de formular una teoría. Rilke criticaba el derecho de los pintores a hacer teoría sobre sus obras. Sin embargo él no se privaba de teorizar sobre la poesía. En la actualidad, en cambio, hay una excesiva proclividad a la teoría, fundamentalmente porque la crisis artística de hoy es ante todo una crisis de conciencia. Pero sólo el quehacer artístico con su teoría implícita podrá lograr la respuesta. La teoría divorciada del quehacer es eso, nada más que teoría. Luis Felipe Noé “En nuestra civilización de la imagen todo está en crisis, salvo la imagen. Su producción , circulación, velocidad y consumo (real y simbólico) se han incrementado a la enésima potencia desde la época de la reproductibilidad técnica. En nuestras sociedades del espectáculo integrado, el privilegio de la imagen es también una consecuencia de nuestra percepción distraída del mundo. Pero es obvio que no basta ver para sentir y comprender; al contrario, vemos poco y nada porque miramos demasiado rápido. Creo que el desafío más sutil y problemático proviene de quienes exploran e investigan la imagen misma: los artistas contemporáneos.” Horacio Zabala La voluntad de Noé y Zabala por captar la naturaleza de la práctica artística contemporánea los introduce en la reflexión estética, la revisión de sus postulados y la relectura de los clásicos. Sus conversaciones, con naturalidad y al mismo tiempo con rigor, transitan por la creación y la recepción, el presente y sus antecedentes, la filosofía y la historia. En ningún momento se esconde el desacuerdo ni se disimulan las contradicciones, tal vez debido a la necesidad, como dicen, de “confrontar perspectivas distintas para entender algo que nos supera”.


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    “La pérdida del reino” es una obra compleja y exquisita, en la que el gran escritor, traductor, crítico y editor argentino retrata cierta épica del fracaso de la sociedad literaria.

    La historia está contada a través de la voz de un narrador que bucea en la vida y los papeles dispersos de Rufino Velázquez, un profesor universitario, crítico literario y escritor frustrado que, antes de morir, pone en manos del narrador los apuntes y recuerdos que preparaba para su libro autobiográfico


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    El presente volumen reúne dos novelas, “La ciudad de los locos” (1914) y “Las timberas” (1927-1928), una selección de cuentos y textos inéditos –estampas, discursos, audiciones radiofónicas– entre los que se incluye el relato autobiográfico de una “vida de periodista” imprescindible para conocer el mundo de Soiza Reilly. “La ciudad de los locos había sido reeditado por última vez en 1937.


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    La función mental de los medios es comparable a la artillería en la guerra clásica: reactualizada en lluvia de misiles con la ayuda visual de la televisión, ablanda la voluntad de resistencia hasta destruirla, prepara la entrada del ocupante. Este libro lee en los grandes medios informativos la construcción del imperio de libre mercado, el colapso de la Argentina o la guerra serial a escala planetaria como opciones únicas e inevitables.”


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    Licantropía reúne mitos y leyendas; textos filosóficos, religiosos, literarios, científicos, antropológicos, legales y periodísticos. Y ofrece no sólo el relato cronológico de la historia de los hombres lobo en Occidente, sino también el placer y la sorpresa que proporcionan los textos seleccionados, muchos de los cuales se presentan por primera vez en castellano


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    “Desde Samuel Johnson, ningún crítico en lengua inglesa ha sido más prolífico que Harold Bloom. Es autor de las introducciones de unos quinientos volúmenes de la Chelsea House Library of Literary Criticism, colección de la que es editor general, y ha escrito mas de veinte libros, entre los cuales uno de los mas conocidos es La Compañía Visionaria (1961), que ayudó a devolver la poesía romántica inglesa al canon y a los programas universitarios de literatura.” Antonio Weiss, The Paris Review, 1990. Con este volumen dedicado al análisis de la poesía de Lord Byron y Percy Shelley, Adriana Hidalgo editora continúa la publicación integral de La Compañía Visionaria, iniciada con el tomo correspondiente a William Blake. La monumental obra de Bloom resulta indispensable para la comprensión del Romanticismo como movimiento poético y vital surgido a la luz de las grandes Revoluciones de los siglos XVIII y XIX.


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    La escritura de Macedonio es una encrucijda en la que convergen los sueños y deseos de un sujeto con la ilusiones y carencias de una época, anudándose en un lenguaje sorprendente que se fragmenta y se organiza según tensiones difíciles de comprender. Ninguna señal indica la entrada o la salida de esos textos: se entra y se sale por ningún lugar. Interrogación de la muerte, sus textos se funden con el enigma que se desea interrogar. Germán García


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    MARTA LÓPEZ GIL compiladora Los textos que componen este volumen son ensayos de mujeres , en donde el “de” hace valer su doble sentido: escritos por mujeres pero además sobre mujeres. Todos ellos tienen una cualidad común: se trate de Simone Weil, Marguerite Duras, Marguerite Yourcenar, Hanna Arendt, Virginia Woolf, Djuna Barnes, Delmira Agustini, Silvina Ocampo, Lina Wertmüller, Julia Kristeva, Meredith Monk o Cindy Sherman; se trate de literatura, cine, ideología, pensamiento, o música, siempre las propuestas dan la impresión de estar fuera de lo establecido. Es en este sentido que se habla de “fuera de quicio”. Mujeres que no “encajan”. Apuestas “desenmascaradas”. Son discursos fuertes, valientes, incluso contradiscursivos, en relación con lo legitimado, sancionado y hasta prescrito por el canon imperante en la época en que a cada una de ellas le tocó vivir. Marta López Gil convocó para este libro a un grupo de ensayistas que fueron capaces de leer a través de contradicciones y ambigüedades sin caer en al absurda santificación de lo femenino. Liliana Bonvecchi, Celina Chatruc, Cristina Fangmann, Malena Lasala, Cristina Piña, María J. Regnasco, Amparo Rocha Alonso, Corinne Sacca Abadi, Liana Scalettar, Marcela Solá y Marta López Gil escriben sobre Mujeres fuera de quicio. Literatura, arte y pensamiento de mujeres excepcionales con la conciencia de estar escribiendo sobre mujeres.Muj


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    ¿Qué materiales tiene que contener una vida, y de qué manera esa vida debe ser narrada, para que a partir de ella pueda configurarse y consagrarse a un héroe nacional? Este libro es un estudio crítico de los modos en que los relatos canónicos de la historia argentina han contado la vida de José de San Martín, para hacer de él un indeleble Padre de la Patria: una verdadera cifra fundante de la identidad nacional. Al recorrer estos textos, desde Sarmiento o Juan María Gutiérrez hasta Ricardo Rojas, pasando por Bartolomé Mitre, se advierte hasta qué punto el héroe nacional y la identidad nacional se producen y se refuerzan mutuamente.


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    Uno de los más importantes artistas latinoamericanos del último medio siglo reúne en este volumen su pensamiento artístico, crítico y teórico, que continúa el formulado en su primer libro “Antiestética” (1965): artículos, conferencias y textos inéditos que Noé escribió en Buenos Aires, Nueva York y París entre 1966 y 2006. Los cuatro ejes que articulan este libro son: el arte entre la tecnología y la rebelión, arte y lenguaje, arte y poder y la ampliación del concepto de pintura. “Noescritos sobre eso que se llama arte” es el testimonio teórico de “un pensamiento en estado de evolución” en el que continuamente se cruzan los temas permanentes de este artista y pensador: el caos como estructura, las relaciones entre arte y teoría, la cuestión artística en América Latina, la pintura como lenguaje artístico y la crisis de la imagen simbólica.


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    En “Orfeo en el quiosco de diarios”, Dobry traza una línea: después de tocar la abstracción con Mallarmé, el poema regresa al mundo y toma de allí sus materiales.

    “La perspicacia de Dobry no se muestra sólo en las observaciones sobre el desencantamiento poético del siglo XX. La lectura de poetas argentinos (Molinari, Pizarnik, Saer, Carrera, Samoilovich, García Helder) integra un cuaderno de notas, donde Dobry se nos muestra leyendo a sus contemporáneos con experiencia y destreza. Las austeras, casi distantes páginas sobre Pizarnik son, entre otras de este libro, decididamente originales.En síntesis, estamos ante un itinerario sutil para lectores inteligentes.” Beatriz Sarlo


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    Para analizar la angustia, el autor recurre a los El tema de este libro es la angustia, uno de los grandes tópicos de la filosofía contemporánea. Según Garrido-Maturano, la angustia no es un estado psicológico ocasional y contingente, sino que es constitutiva del hombre, porque afecta su esencia. Aquí se aborda la angustia no necesariamente en sentido especulativo, sino en función de sus consecuencias prácticas. tres pensadores fundamentales que reflexionaron con mayor lucidez y precisión sobre la cuestión: Søren Kierkegaard, Miguel de Unamuno y Martin Heidegger. Y particularmente se centra en las diferentes formas que adopta la relación entre angustia y temporalidad en cada uno de estos tres filósofos. “Sobre el abismo” –dirigido a lectores y estudiosos de filosofía, psicología, psicoanálisis y literatura– constituye un aporte a la muy escasa literatura filosófica sobre la angustia en nuestra lengua, así como también sobre los tres autores estudiados.


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    Sobre el trasfondo de la desintegración y el colapso de la actual administración norteamericana, el lúcido crítico, ensayista y escritor argentino Reinaldo Laddaga compone tres no-ficciones reunidas en este libro. Tres vidas secretas reconstruye de un modo tan deslumbrante como inspirador, las biografías, trayectorias, acciones e ideas de tres de los personajes que, de manera inmediata o remota, iniciaron las corrientes de pensamiento o de acción que se anudan con este presente de decadencia y extenuación de la extrema derecha norteamericana. Aquí desfilan ante el lector –escritos con gran sabiduría narrativa, datos precisos y ácido sentido del humor–, tres vidas, las de John D. Rockefeller, Walt Disney y Osama bin Laden, que a su modo explican este presente.Tres vidas secretas


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    He aquí un libro sorprendente. Nos viene a mostrar que el dinero atesora la memoria de la Nación. Desde que nació el Peso en 1891, hasta nuestros días, la unidad monetaria cambió cinco veces de nombre y perdió trece ceros: un Peso actual equivale a diez billones del signo monetario primigenio. Cada bautismo alentó la esperanza de soluciones permanentes para la resquebrajada economía argentina. La historia del país también es la historia de su moneda: el dinero ha sabido erigirse en la medida de casi todas las cosas. El billete bancario –un material poco trabajado desde los estudios sobre la cultura contemporánea– aparece en este libro como lugar de reconocimiento y decepción, de orgullo y extrañeza. Patricia Ávila trata aquí la larga disputa entre memorias que pretenden consagrar un relato de lo que fuimos: mitos civilizatorios y circunstancias históricas se aglutinan en los grabados y textos de los billetes a través de cada época.


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    Esta es la primera edición en castellano de un libro clásico de los estudios culturales y la teoría estética, en el que Andreas Huyssen aporta ideas centrales sobre el modernismo, la vanguardia, la cultura de masas, la posmodernidad. El libro funciona también como una guía sobre estos movimientos estéticos y teóricos y sobre las discusiones que atravesaron parte del siglo XIX y todo el siglo XX. La “gran división” es la distinción categórica entre arte elevado y cultura de masas. Esta división resulta mucho más importante para la compresión teórica e histórica del modernismo y sus derivaciones que la supuesta ruptura histórica que, según muchos críticos, separa al posmodernismo del modernismo. La cultura de la modernidad se ha caracterizado, desde mediados del siglo diecinueve, por una relación volátil entre arte alto y cultura de masas. El modernismo se constituyó a partir de una estrategia consciente de exclusión, una angustia de ser contaminado por una cultura de masas crecientemente consumista y opresiva. Sin embargo, la insistencia del modernismo en la autonomía de la obra de arte, su hostilidad obsesiva hacia la cultura de masas, su radical separación entre cultura y vida cotidiana, y su distancia programática de los asuntos políticos, económicos y sociales fueron puestas en cuestión desde su origen. La dicotomía alto/bajo ha resurgido siempre con fuerza. De este modo, la oposición entre el modernismo y la cultura de masas ha demostrado ser asombrosamente elástica a lo largo de las décadas. La lucidez militante y la fuerza de las ideas de Andreas Huyssen, lo llevan a polemizar con Benjamin, Adorno, Habermas y Foucault, entre otros, sobre conceptos y teorías centrales de la cultura del último siglo. Pero al mismo tiempo el libro se detiene minuciosamente en las industrias culturales y en manifestaciones artísticas concretas: las artes visuales, la literatura, el teatro, el cine, la televisión. Después de la gran división presenta una cantidad de razones históricas y teóricas vinculadas con la longevidad del paradigma alto/bajo, y discute la cuestión de hasta dónde el posmodernismo puede ser considerado como un nuevo punto de partida.


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    En la elección de los textos de esta compilación estuvo trabajando hasta último momento su autor. Diálogo con lo universal: Goethe, Kafka, Hegel, Brecht, Wang Wei, Julián Ríos, Juanele, Sarduy, Mallarmé, Francis Ponge, Lacan, Hélio Oiticica. Las bandas irisadas de un arco iris –homenaje al que el viejo Goethe contempló en 1814 y consideró presagio de una “nueva pubertad”– en correspondencia con las literaturas de variadas lenguas y latitudes.


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    Deslizándose entre el ensayo y las memorias, la crónica y el relato de viaje, los textos reunidos en este volumen tienen en común el tono de un autor que ha elegido escribir en primera persona. Estos blues evocan tanto lo público como lo más íntimo: desde una guerra “olvidada” (la de unas islas Malvinas innominadas) hasta amigos y episodios de un mundo cultural perdido, próximo pero irrecuperable. Silvina Ocampo, José Bianco, Susan Sontag desfilan entre muchos otros, famosos u oscuros; se relatan las hilarantes escaramuzas por obtener un premio literario y las patéticas traiciones de individuos célebres en tiempos aciagos; resucitan fantasmas de los sixties, hoteles de paso, fiestas y duelos.


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    En “Belleza compulsiva”, Hal Foster, uno de los más brillantes pensadores y teóricos del arte, analiza con extraordinaria lucidez el corazón mismo del surrealismo y lo hace desde el lado más oscuro de aquella singular vanguardia, conectado a lo siniestro. “Belleza compulsiva” no sólo aporta una lectura nueva y muy fundada del surrealismo, sino que propone una reconsideración del modernismo a la luz del shock capitalista y del desarrolo tecnológico. Foster discute el destino del surrealismo en la actualidad, en un mundo que se ha vuelto surrealista.


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    Arquitectura del Cielo es una obra alucinante del genial erudito sueco Emanuel Swedenborg quien, en plena Edad de la Razón, representó, según los estudiosos, “el movimiento de mayor independencia hasta ahora iniciado en la historia del pensamiento religioso”. Hasta 1744 –cuando sufre su crisis espiritual– Swedenborg había contribuido de manera decisiva al conocimiento científico. A partir de entonces afirma tener permanente contacto con ángeles y espíritus y mantener interminables conversaciones con seres espectrales, hasta asumirse como un visitante habitual de los reinos celestiales, para dedicar las últimas tres décadas de su vida a describirlos como si estuviese promocionando nuevos paraísos turísticos. La obra de Swedenborg debe tomarse como un poema infinito que nos describe un extraño país de hábitos y leyes naturales que escapan al alcance terrenal. Algo no muy distinto resulta de la confrontación con la sensibilidad oriental: existe una tensión allí que escapa a la geometría del conocimiento que se aplica en Occidente. Esta poética a la que Swedenborg se dedicó con verdadera pasión durante treinta años, representa en su inagotable energía mucho más que un curioso testimonio de la capacidad fantástica del ser humano: constituye en sí un sistema de pensamiento y de modo particular, una utopía. Esta utopía nos habla de una vida más digna de la que podemos conseguir atenazados por las mezquinas limitaciones de la existencia terrenal. Al fin y al cabo, el sueño de una vida eterna también forma parte de nuestra condición humana. La cuidada edición de Christian Kupchik –traductor del libro– incluye ensayos críticos, notas, bibliografía y un estudio final, Swedenborgeana, en el que se analiza el fervor de Jorge Luis Borges por la obra de Emanuel Swedenborg.


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    La ciudad de los sueños es el título de la novela con que comienza este libro -en el que se reúne la totalidad de su narrativa– para completar la producción literaria de un autor insoslayable


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    Sciascia fue, como Lampedusa, un lector minucioso de Stendhal, porque ambos estaban encantados por el amor que el escritor francés demostró por Italia. Algunos textos de Sciascia sobre Stendhal ?atravesados una especial fascinación? han aparecido desorganizadamente en diarios, revistas y libros, pero aquí se reúnen por primera vez todos en un solo tomo.

    En “Adorable Stendhal” han sido recogidos, cuidados por la mujer, María Andrónico Sciascia, todos los textos de Leonardo Sciascia, dispersos en libros, revistas y periódicos, sobre el escritor francés. Escritos que, a menudo, tienen como pretexto alguna relación con personajes sicilianos y con Sicilia -adonde Stendhal siempre quiso ir y nunca pudo-. Por lo tanto, Sicilia y los personajes sicilianos que Stendhal encuentra o que habría podido encontrar, suscitan el gran interés de Sciascia.


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    En “Letra muerta” todo comienza como en una novela epistolar inglesa del siglo XVIII –Clarissa o Pamela de Samuel Richardson– con una heroína, un lugar de reclusión y un poco de papel y tinta para hacer aquello que ya nadie hace: escribir cartas.

    Luego irrumpe un mar de té sentimental, la melodramática biografía de Rolando Safir, un escritor con una obra inconclusa, vacilante, gótica, larvaria, taquicárdica, secreta, latente, casi inexistente –o mejor dicho, existente gracias al deseo y a la mirada del otro. De las cartas a la biografía y de las biografías a las cartas, las pasiones se pliegan y despliegan, las voces se desdoblan, las identidades se desvanecen en el vórtice de las mutaciones. Como si el acto de escribir no fuera más que el arte de acomodar restos. Como si la literatura fuera un crimen.

     


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    Copi se adentra en la hagiografía de Evita para refutarla, pero con un fondo móvil que retiene los débiles rasgos históricos que construyeron la imagen, valiéndose no sólo de la mitologización peronista sino también de la antiperonista. Porque si bien esa figura no es histórica, sino mitologizada, juega con el ademán escandaloso que a menudo quiebra la verosimilitud histórica, a partir de la cual el mito de Evita pretende para sostenerse como verdad. En esa ambigua confluencia trabaja Copi. Así como en sus narraciones el orden del relato se precipita y altera en el caos de los acontecimientos, el orden del mito es siempre amonestado por la irrisión de lo histórico, que se sobredimensiona hasta volverse farsesco. Extracto “Ser Evita. Lectura de Eva Perón de Copi” del traductor.


    Eva Perón Copi 13,00
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    Novela basada en un hecho real: el escándalo de Binjamin Wilkomirski, que en los años 90 falsificó sus memorias como si hubiera sido víctima del Holocausto.
    La novela trata del valor del recuerdo, de la credibilidad y de la construcción de una identidad en un juego donde falsificación y verdad aparecen como dos posibles caras de una misma moneda. Sucede en tiempos actuales. Dos historias que comienzan de uno y otro lado del libro para encontrarse exactamente en el medio, que tienen como protagonistas a los narradores: Amnon Zichroni y Jan Wechsler. El primero posee un sexto sentido: el don de sumergirse en los recuerdos de otras personas. Se trata de un psicoanalista que vive en Zúrich. Allí conoce al luthier Minsky, a quien incitará a escribir sus memorias como prisionero en los campos de concentración nazis. La existencia de ambos se pondrá en juego cuando el escritor Jan Wechsler afirme que el libro de Minsky es pura ficción.

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    Esta antología es una puerta de entrada al rico y aún poco conocido mundo de la narrativa china actual. La China de hoy vista a través de la producción de sus escritores.
    ‘Después de Mao’ registra el impacto en la vida cotidiana de los cambios que llevaron al ex gigante comunista a convertirse en la primera potencia mundial. Los relatos, ubicados en el período abierto tras la caída de Mao -mientras las universidades volvían a la normalidad después de la “Revolución cultural”-, tienen la doble virtud de su intensidad literaria y de condensar ciertos mundos e imaginarios chinos contemporáneos. La ruptura con la tradición, el realismo como estética predominante, y el tema de la experiencia individual en tensión con las transformaciones sociales, surgen como rasgos comunes entre los autores, que se inscriben en un contexto en el que cambia el estatus de la literatura y del escritor con la creación de un mercado literario.

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    ¿Para qué sirve la teoría si las obras hablan por sí mismas a la sensibilidad??. Dicha interrogación no deja de remitir a una teoría: la de la intuición directa de lo bello y de la sensibilidad artística universal.

    La acción de lo teórico en el dominio del arte y cómo se articula con el cuestionamiento de la obra, cuáles son los modos en que se manifiesta: tal es el propósito de Las teorías del arte. Para llevar a cabo este proyecto, la célebre teórica francesa Anne Cauquelin ?que hasta ahora permanecía inédita en castellano? establece una tipología de las teorías existentes desde el punto de vista de sus efectos. Veremos entonces que, por un lado, tal tipología no corresponde para nada con el orden histórico y, por otro, para tomar en cuenta dichos efectos, la autora convoca una amplia gama de discursos que no suelen considerarse como teorías propiamente dichas, aunque impactan directa o indirectamente en las prácticas artísticas.

     


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    Tras el lúcido ensayo “Las teorías del arte” (AH, 2012), Cauquelin propone en su nuevo libro pensar el arte como un modo de acceso a mundos alternativos al “mundo real”.

     

    Anne Cauquelin rastrea en la filosofía occidental la idea de otros mundos fuera del nuestro, llamado “real”. Bajo este presupuesto, la autora lleva al lector a distinguir cuál es el marco de cualquier reflexión artística y “estética”, especializada o vulgar, en el mundo “real” y en el “virtual”. En el libro analiza tanto los argumentos aristotélicos que perviven en nuestro modo de pensar, como la teoría fundadora del mundo único, geocéntrico, a partir principalmente del Tratado del cielo de Aristóteles, así como sus influencias en las “visiones” de la Antigüedad y de los teólogos medievales, los neoplatónicos del Renacimiento, hasta el mundo (único) de Descartes.

     


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    Una novela sobre el interés propagandístico del nazismo por que los coches alemanes batieran récords de velocidad, y el interés de Hitler en la industria del automóvil.
    Un joven periodista deportivo descubre por azar que aún sigue vivo Paul Windisch, un ingeniero austríaco que durante los años treinta trabajó en la preparación y fabricación de los célebres automóviles de carrera Flechas de plata, sobre lo cual quiere escribir un libro.

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    La historia de dos jóvenes hermanos, Cirilo y Geraldo Rego Castro, en los días finales de la década del sesenta, cuando se afianza la dictadura en Brasil.
    Estuve allá afuera narra la historia de dos jóvenes hermanos, Cirilo y Geraldo Rego Castro, en los días finales de la década del sesenta, cuando se afianza la dictadura en Brasil, mientras se van conformando, por una parte, los movimientos contraculturales y, por la otra, sectores armados de partidos de izquierda.

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     Esta novela de Paul Biegel, autor clásico de Holanda, cuenta la aventura de una niña y la historia de una ciudad, a través de los cuentos que narran sus habitantes.
    Una niña lleva un secreto colgado del cuello. Es un secreto que late, y tiene forma de semilla. Por él, ella ha llegado a una ciudad muerta, olvidada y gris, donde los soldados convierten en estatua a todo aquel que no cumpla las leyes de silencio y quietud. En aquel lugar desolado, la protagonista buscará respuestas, intentará entender la historia de esa ciudad extraña, para por fin encontrar los jardines donde debe enterrar su secreto, y así devolverle la vida.

  • pípala
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    Julián cumple años, pero su papá y su mamá trabajan en la fábrica todo el día. Afuera cae la nieve y adentro Julián decide hacer magia para no sentirse tan solo.

    Julián cumple años, pero su papá y su mamá trabajan en la fábrica todo el día. Afuera cae la nieve y adentro Julián decide hacer magia con su espejo para no sentirse tan solo. “Abracadabra” y así desfilarán varios animales por su casa, hasta que por fin sea el turno de un caballo, que lo llevará en una aventura de jinete valiente.


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    A través de textos bíblicos y extrabíblicos, este libro analiza la figura de Pilato y revisa el proceso judicial a Jesús.

    Si es cierto que la encarnación de Cristo es un acontecimiento histórico, entonces el proceso de Jesús es uno de los momentos claves de la historia de la humanidad, en el que la eternidad se cruzó con la historia en un punto decisivo. De allí que resulta urgente la tarea de comprender cómo y por qué este cruce entre lo temporal y lo eterno y entre lo divino y lo humano, asumió precisamente la forma un juicio procesal.


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    En Azar, Le Clézio –ganador del Premio Nobel de Literatura 2008– relata el viaje marítimo y poético de Nasima, una niña/adolescente en busca de su padre, que la abandonó. La tristeza de Nasima se termina cuando aparece en el puerto el barco de Juan Moguer, un reconocido cineasta de pasado oscuro, que despierta las ansias de libertad de Nasima. Entonces decide embarcarse clandestinamente a bordo del barco. Con Juan Moguer, Nasima hace su aprendizaje de mujer y sufre por segunda vez el abandono. Nasima pone fin a su itinerario rindiendo un homenaje al hombre que no ha podido ser su padre, con un acto tan grandilocuente como explosivo.

    Angoli Mala es un breve relato que sigue a Azar, donde la aventura también se hace presente, en este caso encarnada por Bravito, un joven aborigen que es perseguido en los márgenes del Amazonas. Esta huida lleva al protagonista a un reencuentro con sus raíces ancestrales, viéndose arrastrado por el ciego deseo por una mujer


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    “Marat- Sade” es el nombre abreviado de “Persecución y asesinato de Jean Marat, representados por el grupo de actores del Hospicio de Charenton bajo la dirección del señor Sade”, título que la inscribe en el “teatro dentro del teatro”.

    Si bien se cuenta la agitación revolucionaria y la trama del asesinato de Marat, la obra trata sobre una revolución popular triunfante que se transforma en un nuevo poder antipopular. Allí se juega la oposición entre  la revolución y el individualismo y se escenifica la locura y la razón como estados inseparables. En 1964 la pieza tuvo una puesta consagratoria del dramaturgo y teórico Peter Brook, quien también hizo una célebre versión cinematográfica en 1966. Desde entonces Marat-Sade se convirtió en un clásico.

     

     


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    Cachafaz y La sombra de Wenceslao son dos piezas gauchescas, escritas en castellano, desopilantes ambas, aunque la primera es también trágica porque porque evoca desde el particular estilo Copi la violencia sangrienta de las dictaduras argentina y uruguaya.


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    En este libro tan breve como esclarecedor, el célebre antropólgo Marc Augé nos propone pensar el tiempo como una libertad en lugar de asumir la edad como una limitación.

    En este libro Marc Augé se toma a sí mismo como objeto para reflexionar sobre la longevidad a partir de una mirada tanto desde el individuo como desde la perspectiva sociocultural. “El tiempo sin edad” empieza y termina con un gato. O más precisamente: por el hombre que se pregunta cómo hace el gato para no limitarse a su edad y cuál es el secreto de su serenidad.


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    Longevidad no sólo examina estilos de vida y alimentación, sino que razona sobre las expectativas y los miedos de vivir muchos años. Envejecer, sí; pero envejecer bien.

    La longevidad conlleva el deseo de vivir más y el temor por el modo en que se llega a la vejez. Envejecer, sí; pero envejecer bien. La vejez nos enfrenta a cambios físicos, de energía y mentales. Los años traen consigo experiencias y alteraciones que debemos aceptar, y no combatir, negar ni reprimir. Este libro analiza los motivos de la longevidad, observa los hábitos de los pueblos más longevos del planeta y explica con claridad la genética y bioquímica del envejecimiento.


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    En este libro, el destacadísimo biólogo Edoardo Boncinelli explica la increíble aventura de la vida. Y lo hace en términos comprensibles.

    Han pasado cuatro mil millones de años desde la primera chispa, pero hace pocas decenas de miles de años que la especie humana comenzó a preguntarse sobre el fenómeno de la vida. Y hace sólo pocas décadas que hemos podido dar respuestas sensatas. Y hace muy pocos años que el hombre es capaz de intervenir conscientemente en el mecanismo de la vida. En este libro, el destacadísimo biólogo Edoardo Boncinelli explica la increíble aventura de la vida. Y lo hace en términos comprensibles, aunque con todas las implicaciones necesarias para comprender a fondo un tema tan amplio y complejo. ¿Existe algo más importante que la vida? El autor nos cuenta cómo funciona y cómo se ha desarrollado


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    En el libro “Borges y la traducción” Sergio Waisman intenta rastrear la importancia que esa disciplina tuvo en la obra del gran escritor argentino.

    “Con agudeza e infinita paciencia, Sergio Waisman rastrea la marca de la traducción en Borges. Más que mera práctica ?el autor analiza varias de las deleitosamente arbitrarias versiones hechas por el propio Borges? la traducción, propone Waisman, es un concepto crítico fecundo, que significa para Borges una manera de leer y pensar la literatura: la única posible. La supuesta limitación de esta propuesta ?la lectura (o la traducción) como borrador, como desvío, o como complemento de un ?original? para siempre postergado? es ilusoria. Como bien señala Waisman, tal vez el mérito principal de este libro inteligente, la múltiple y para siempre cambiante traducción es para Borges testimonio de la infinita riqueza de la literatura.” Silvia Molloy.


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    “Una de las autoras más inesperadamente apasionantes de la última década” Babelia
    A partir de la inquietante historia de un amor prohibido, Una novela real cuenta el último medio siglo de Japón. Aquí se pone al descubierto la estructura social japonesa de preguerra como fuente de las miserias, dificultades, anhelos, esplendores y tragedias humanas, que gradualmente produjeron el surgimiento de una ambivalente clase media en los cincuenta años posteriores a la guerra. La novela narra una saga de varias generaciones y distintos niveles sociales, desde mediados del siglo XX hasta el Japón actual. Escrita con maestría narrativa hasta en los menores detalles, la prosa de Minae Mizumura ha sido descripta como ?sinfónica?. Una novela real está atravesada de historias y climas que atrapan al lector, inmersas en complejísimas y sutiles relaciones sociales. La crítica ha comparado esta novela con clásicos de la literatura europea y norteamericana, como Cumbres borrascosas, de Emily Brontë; El gran Gatsby, de Scott Fitzgerald, y con la obra de autores como Stendhal o Chéjov. Una novela real marca un momento decisivo en la historia de la literatura japonesa

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    A partir del suicidio del medio hermano del narrador, la novela trata sobre el tabú que rodea al suicidio en una sociedad del rendimiento.
    El narrador es un escritor que regresa después de años a su pueblo natal en los Alpes para dar una conferencia sobre un famoso autor –Kleist– que terminaría con su vida suicidándose. Es la oportunidad de reencontrarse con su hermano, quien nunca ha partido del pueblo. Pocas palabras los unen y será la última vez que se vean, porque unos meses después recibirá la inesperada noticia de su suicidio. A pesar de lo lejano de la relación, la decisión minuciosamente premeditada de poner fin a su vida de ese hombre no le dará tregua. Emprenderá entonces la búsqueda de la pregunta a esa respuesta que el hermano les dio a todos con su acto.

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    La obra de Juana Bignozzi (1937-2015), serena, profunda, es una excepción en el mapa de la poesía contemporánea argentina.

    Mis mitos son los mitos típicos del anarquismo fabriquero. Mi padre era un obrero panadero, anarquista, que luego pasó al Partido Comunista durante el peronismo, como tantos…Vengo de los mitos culturales de las bibliotecas, de las veladas de estudio después del trabajo…Me crié en los mitos del arte, la cultura los viajes, la ópera…Y he ido creciendo con esos mitos: algún día conoceré esto, podré leer esto, podré ver esto, podré escuchar esto. Y de mayor sólo he ido comprobando o deshaciendo mis mitos. Prácticamente no he agregado ninguno. En este sentido el primer poema de mi nuevo libro es el poema que lo resume. Es una alegoría de lo que ha muerto. A cierta edad uno empieza a caminar hacia sus mitos, pero en realidad estás volviendo, porque esos mitos ya están establecidos.


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    Noll construye una historia inquietante, hasta llegar a un clímax absolutamente perturbador, que oscila entre la fantasmagoría y la meditación más contemporáneas.

    En esta asombrosa novela João Gilberto Noll lleva a su protagonista a Londres en un viaje cuyos motivos se pierden por el camino: desde su llegada al aeropuerto, la estadía británica se convierte en un fin en sí mismo y la historia se centra en la extraña y sorprendente mutación del viajero, que comienza a vivir otra vida. La naturaleza radical de la metamorfosis que aquí se narra coloca a este texto en la tradición de la literatura de Musil y de Beckett.


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    Un libro que reflexiona sobre aquellas formas de arte que transitan entre lo excluido y lo admitido, entre el residuo y el producto, entre la disidencia y el poder.

    Desde inicios del siglo XIX, arte y política fueron moldeados por la fuerza centrífuga que irradió la Revolución industrial: movimiento de exclusión social, por un lado; rechazo categórico por el otro, de ciertos signos, objetos o imágenes. Como en el modelo de la termodinámica, la energía social produce un residuo, generando zonas de exclusión en las que se apiñan en completo desorden el proletariado, los explotados, la cultura popular, lo inmundo y lo inmoral: el conjunto subvaluado de todo lo que no se podría ver. Luego de los polémicos y muy exitosos “Estética relacional”, “Postproducción” y “Radicante”, Bourriaud se propone presentar en este nuevo libro el ámbito de lo exformal como el lugar donde se desarrollan las negociaciones fronterizas entre lo excluido y lo admitido.


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    Cómo producen sentido los artistas visuales a partir del caos de objetos, nombres y referencias que constituyen nuestra vida cotidiana.

    La cultura global y la avalancha informativa borran cada vez más la consabida brecha entre autor y público, y a través de ese límite progresivamente más exiguo, la obra de arte intenta reflexionar sobre esta serie de relaciones sin pretender originalidad. La noción de originalidad y creación se desdibuja en este nuevo panorama cultural en el que se destaca la figura del dj (disc jockey) o el programador, cuya tarea consiste en seleccionar objetos culturales insertándolos en un nuevo contexto. Se trata de captar los códigos de la cultura, las formas de la vida cotidiana, las obras del patrimonio global, y hacerlas funcionar. El arte representa un contrapoder y siempre será ‘comprometido’ en su tarea de no dejar ningún signo intacto.


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    Este brillante ensayo de Nicolas Bourriaud se organiza en torno de problemas como el multiculturalismo, la posmodernidad y la globalización cultural.

    Entre esas preguntas hay una que se vuelve acuciante: ¿por qué se ha comentado tanto la globalización desde un punto de vista sociológico, político o económico y casi nunca desde una perspectiva estética? ¿Cómo afecta este fenómeno a la vida de las formas? El radicante puede crecer y desarrollar sus raíces en cualquier tipo de superficie, lo que permite introducir la posibilidad de una ética y una estética de las migraciones: fenómeno clave de nuestra época. La teoría de Bourriaud –en la que entran las identidades precarias, las formas abiertas, la inestabilidad– abre un nuevo campo de trabajo para el análisis y la investigación de las artes.


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    En estos ensayos el autor caracteriza un nuevo paradigma artístico destinado a interactuar en la esfera de las relaciones sociales.

    Las teorizaciones que recorren Estética relacional surgen precisamente a partir del conocimiento profundo de la obra de los más conspicuos artistas internacionales de los años noventa, hoy en plena actividad, y de exponer los principios que estructuran sus pensamientos. El libro viene a responder, entre otras, a la pregunta “¿de dónde viene esta obsesión por lo interactivo que atraviesa nuestra época?”.


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    “Estas anotaciones no fueron planeadas inicialmente como aparecen aquí. Comencé a escribirlas con la intención de darles un marco narrativo. En consecuencia, mi cerebro tradujo las percepciones cotidianas al código en el que iban a ser expresadas; es más, las percepciones mismas, aun las que surgían más casualmente, ya estaban orientadas a ese eventual objetivo. Las impresiones y vivencias que no podían adecuarse al modo de referencia común, es decir, a la forma literaria elegida de antemano, fueron dejadas de lado: podían ser olvidadas. Precisamente en el estado de concentrada atención que había alcanzado para estas anotaciones, me resultó llamativo ese olvido cotidiano. Muy pronto me pareció un desperdicio y comencé a conservar en la memoria también aquellos fenómenos de la conciencia que no servían al proyecto. De esta manera, poco a poco, el plan se destruyó y sólo quedó la anotación espontánea de percepciones libres de objetivo alguno. Cuanto más tiempo e intensidad aplicaba a continuar esta actividad, tanto más fuerte se volvía la experiencia de liberación respecto de formas literarias establecidas y, al mismo tiempo, de libertad en un terreno de la escritura que me era desconocido. Me ejercité para reaccionar súbitamente por medio del lenguaje ante todo lo que se topaba conmigo y me di cuenta de cómo, durante la vivencia, también la lengua cobraba vida en esa inmediatez y se volvía transmisible. Este libro podría ser, en consecuencia, una crónica. No es una narración consciente sino una crónica inmediata de las percepciones, fijada simultáneamente. La crónica de una conciencia individual, publicada en forma de libro.”


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    La primera sección reúne un conjunto de ensayos extraordinarios, como el dedicado a Van Gogh, o el proyecto personal que Bataille emprendió junto a Michel Leiris, al que denominó “diccionario crítico”, donde a partir de los términos más familiares se revelan unas asociaciones inquietantes, una sensibilidad alerta y sin preconceptos. En la segunda parte –“La crítica social”– se incluyen textos fundamentales como “La noción de gasto” y “La estructura psicológica del fascismo”. Aquí sigue ciertos desarrollos sobre lo social que deben relacionarse con el Colegio de Sociología fundado y promovido por Bataille, Leiris y Roger Caillois en la década de 1930. Por último, una sección que comprende textos publicados en revistas efímeras, entre los que se destaca “La conjuración sagrada”, que hiciera


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    Los ensayos aquí reunidos corresponden a la última etapa de la producción de Bataille y funcionan como clave para comprender la coherencia y extrañeza de su pensamiento.

    Geroge Bataille nos enseña que la poesía siempre fue escrita por todos. No porque todos tengan que trazar palabras en papeles que penosamente ansían llegar a otra parte, sino porque todos son ellos mismos en ese punto de felicidad en que ya no son individuos subordinados.


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    Esta biografía ilumina”las secretas batallas y los oscuros actos de coraje” que constituyen la llave, como creía Virginia, de las raíces ocultas de nuestra existencia.

    Herbert Marder sigue de cerca los puntos de vista de Virginia Woolf sobre el totalitarismo y su visión de Inglaterra sitiada, creando un admirable retrato de la madurez de la escritora durante la época de ascenso de la violencia fascista. A partir de la escritura de Virginia (sus diarios y su correspondencia fundamentalmente), Marder va relacionando la evolución de su conciencia social en los años 30 con los hechos de su vida cotidiana. El libro explora minuciosamente la relación con su familia (especialmente con su marido Leonard y con su hermana Vanessa), el universo de sus amistades (Ethel Smyth, Roger Fry, Lytton Strachey, John Maynard Keynes, Dora Carrington, T. S. Eliot), la compleja relación con las empleadas domésticas, así como el trabajo de gestación de sus obras y sus actividades en la Hogarth Press.


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    Con una rara mezcla de encanto y erudición, Leslie Stainton eleva los valores de nuestra apreciación hacia el mayor de los poetas modernos españoles. Luego de catorce años de investigación, y basándose en más de cien cartas anteriormente desconocidas para los biógrafos; entrevistas exclusivas con amigos, familiares y conocidos de Lorca, así como material de archivo recientemente descubierto.

    La autora describe la apacible niñez rural de García Lorca en Andalucía; su vida en Madrid y Granada, luego en Nueva York, La Habana y Buenos Aires; su estrecha relación con otros artistas españoles como Salvador Dalí, Luis Buñuel y Manuel de Falla y por último su secreto compromiso político en la Guerra Civil Española, que terminó costándole la vida. Por años el poeta exasperó a su familia con su ?pereza?, pero supo cautivar a sus admiradores con carisma, pasión y genio artístico.


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    Una selección apasionante y apasionada de veinticuatro historias de vampiros

    Una selección apasionante y apasionada de veinticuatro historias de vampiros: una por cada hora del día, desde el primer cuento de vampiros de la literatura europea hasta el escrito en 1927 por Horacio Quiroga.” La Nación “Seleccionada y traducida con rigor y exquisitez, esta antología es una pequeña historia crítica de los cuentos de vampiros y un diálogo secreto que tienta al lector a descubrir rincones y grandezas de un mundo siniestro, maligno y erótico.


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    Un libro de poesía que tiene como centro la pintura.

    El primer poema llamado “Che bella maniera” es un gran monólogo en el que la voz poética es tomada por el pintor Andrea del Sarto. Es él quien habla, con toda la intimidad, los posicionamientos, obsesiones y el mundo de un pintor que vivió en Florencia a finales del siglo XV y principios del XVI. Las otras dos partes del libro, “Trabajo con dudas, trabajo para siempre” y “La marca de la patria”, son poemas sobre cuadros, en el primer caso de pinturas de Andrea del Sarto y en el segundo, de artistas diversos que como David Hockney pueden ir del arte pop al arte abstracto, bien entrado el siglo XX. Y siempre en conversación, las formas disparan un recuerdo o una asociación de la autora que va hacia su vida, su geografía, su escritura.


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    El sujeto está en aprietos y la magnitud de sus dificultades puede constatarse por las ayudas que se le ofrecen. Este libro analiza los libros de autoayuda.

    La crisis y los dilemas de la subjetividad contemporánea pasan por replicar interiormente la letanía bien aprendida del optimismo capitalista: “¡tú puedes!”, o declarar el quebranto anímico. Entre uno y otro polo, el sujeto echa mano a cuanto subterfugio se le ofrezca para mantenerse íntegro. Entre ellos se encuentra el recurso que esta obra analiza y estudia: los libros de autoayuda y superación personal.


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    Un ensayo sobre los mecanismos de control social vinculados a los liderazgos totalitarios.

    El teatro de la mirada entre encantador y sonámbulo salía de los límites de las atmósferas medicalizadas de las grandes clínicas para invadir tanto los salones de la alta sociedad como las ferias. La puesta en juego de aquella epidemia sugestiva era política más que científica. Todo dispositivo de dominación es sugestivo, según se desprende de la trama de fascinaciones que Andrea Cavalletti despliega ante nosotros. Desde el magnetismo animal del siglo XVIII hasta el hipnotismo, se replica un ejercicio de imposición que identifica a la propia vida con una materia sugestionable.


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    Aquí se reúne una serie de conversaciones, especialmente realizadas para este libro, entre Juan Cruz Ruiz y grandes cronistas y escritores de América Latina y España.

    Lo que estos cronistas escriben es crónica pero también es literatura, porque miran la realidad desde distintos puntos de vista para ofrecer un relato que nunca será igual a otro. Y aunque no se trata de ficciones, los instrumentos utilizados son los de la ficción. Son periodistas literarios porque el tono de lo que escriben no responde necesariamente al que obliga a quienes redactan una noticia.


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    Una historia donde las drogas y los fundamentalismos religiosos se entrecruzan tejiendo una trama policiaca.

    A medida que los tenientes Jean Hamelot y Rachel Kupferstein avanzan en la investigación, surgen no sólo un insólito entrecruzamiento de sectas fanáticas sino una red de tráfico de droga sintética e insospechados vínculos con las altas esferas de la policía parisina. Al poner en primer plano una sórdida red de intereses en manos de minorías religiosas fanáticas de diferentes orígenes, esta novela vertiginosa no sólo critica la hipocresía y los métodos de manipulación de las sectas, sino que pone en evidencia un contexto de discriminación


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    La vuelta al origen como una fatalidad y una profunda indagación existencial es el eje de la excelente novela de Ronaldo Correia de Brito, ganadora del Premio San Pablo.

    La Galilea del título –que remite a la ciudad de la antigua Palestina donde nació Jesucristo– es el nombre de la hacienda familiar donde han nacido casi todos los personajes de la novela, y está ubicada en Ceará, tierra originaria de los indios jucás, que en el pasado fueron antropófagos. Novela de viaje con ecos bíblicos; de búsqueda del pasado, de regreso a los orígenes y hasta de descenso a los infiernos, “Galilea” no solo narra una genealogía y una geografía familiar, sino que revisa cuestiones cruciales de la historia del Brasil, tales como la marginalidad en varias de sus inflexiones, la lengua, la esclavitud y el mestizaje, así como la condición de inmigrantes en la Europa del siglo XXI. “Galilea” ganó el Premio San Pablo de Literatura, en 2009.


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    Encontraremos aquí a los poetas de San Francisco y reconoceremos al héroe Dean Moriarty diez años después de “En el camino”.

    Cada libro de Jack Kerouac es una pieza única, un diamante telepático. Con la prosa engastada en el centro de su mente, revela la conciencia misma con toda su elaboración sintáctica, narrando minuciosamente el vacío luminoso de su propia confusión paranoica. Esta escritura natural y tan rica no tiene paralelo en la segunda mitad del siglo XX. Es una síntesis de Proust, Céline, Thomas Wolfe, Hemingway, Genet, Thelonious Monk, Basho, Charlie Parker y la percepción atlética y sagrada del propio Kerouac.


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    Esta novela de humor corrosivo es una crítica fulminante del mundo de las grandes finanzas a través de las peripecias de un ejecutivo bancario.

    Aquí se narran las peripecias de un ejecutivo que trabaja para un banco internacional y cuya mayor ambición es convertirse en un gurú corporativo, gracias a “El libro de los mandarines”, el seguro best seller sobre economía que está escribiendo.


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    En un hotel en Copacabana un hombre se topa con un cadáver en las escaleras. Así inicia un viaje inesperado, donde la muerte y extraños personajes se cruzan repetidamente.

    En un gesto que lo vuelve un existencialista –además de Pessoa y Sartre, su influencia más visible es Camus– los personajes que construye Joao Gilberto Noll terminan tomando, imprevisiblemente, tarde o temprano, el mango de la sartén de su destino, con decisiones por fin propias que, no obstante, terminan respondiendo siempre a un verdadero acto de fe, un acto de fe que tiene mucho que ver con la ficción. Con todo, la obra de Noll puede leerse en forma autónoma, es decir, sin manuales de literatura, ni guías filosóficas de estudio.


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    Después de su excelente y multipremiada primera novela, “Al principio la noche era música” (AH, 2011), Alissa Walser vuelve a sorprender con su nuevo libro.

    “Siempre yo” es un conjunto de nueve relatos interrelacionados cuyo hilo conductor lo conforman Mona y Nina, dos alemanas que se conocieron en la Nueva York de los años noventa. Ambas comparten afinidades y, fundamentalmente, varios “ex”. Es difícil imaginar cómo serían las cosas si no fueran como son, pero los personajes femeninos de Siempre yo se lo preguntan inmersos en un mundo en estado de tensión, hablándonos de la fragilidad de las relaciones.


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    La autora toma al gran filósofo alemán Hans Blumenberg como personaje, para rendir tributo al espíritu crítico de uno de los pensadores más influyentes del siglo XX.

    El libro profundiza en el pensamiento libre de Blumenberg, para quien todo dogmatismo es perjudicial, aunque tenga buenas intenciones. Así, Lewitscharoff le hace decir al filósofo: “Es un grave error creer que la verdad resulta liberadora independientemente de cuándo, dónde y quién la dice. Todo depende del momento en el que una verdad se puede o no se puede tolerar”. Según aclara la autora, “en vano se buscarán aquí citas exactas de Blumenberg. Pero del filósofo he robado medias frases, breves improntas, razonamientos algo modificados, términos aislados. Dondequiera que se halle ahora: me inclino ante él y ruego su indulgencia”.


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    Recuerdos autobiográficos y reflexión histórica. Una combinación de fotografías en blanco y negro con ensayos breves.

    El secreto del pasado reúne cuarenta de estos textos de su producción ensayística tardía, caracterizada por dos de sus móviles más profundos: la curiosidad y la nostalgia. A través de una bellísima prosa autobiográfica Kousbroek ofrece un exhaustivo intento por recrear con precisión, al modo proustiano, el paisaje, la música, la arquitectura, la ternura y el olor de un “tiempo perdido”.


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    Recrea una distopía con elementos fantásticos, una trama política que, a fuerza de anacronismos, sobrepasa los límites de la ciencia ficción.

    Todo sucede el mismo día, entre la mañana y la noche del 27 de mayo. Asediados por las patrullas de salubridad, tres ex presidiarios vagan juntos por la ciudad capital. Durante la noche, asistirán al concierto del cuarteto de cuerdas. Al mismo tiempo, el frondismo, encabezado por su malvado líder Balynt Zagoebel, prepara una celebración frente al teatro donde se realizará el concierto. Secuestrarán un circo entero porque “el partido apoya la cultura popular”, habrá un enfrentamiento y, finalmente, un escritor, los músicos del cuarteto y nuestros tres presidiarios sufrirán de forma equivalente las desventajas de no pertenecer al partido: humillación, persecución, asesinato.


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    La pared en la oscuridad, primera y brillante novela del joven escritor brasileño Altair Martins, hasta ahora inédito en castellano, recibió el consagratorio premio São Paulo, uno de los más importantes reconocimientos literarios del Brasil.

    A partir de un accidente de tránsito en el que un joven profesor de matemática mata con su auto a un hombre y huye, se desencadena una trama cercana al género policial, que incita a la lectura hasta la última línea. La novela se mete en las profundidades de los protagonistas, sus familias y entornos, y a través de ellos aparecen los temas del poder y la autoridad, de la sociedad disciplinaria y controladora, de la educación, la herencia, la culpa y la imposibilidad de escapar del lugar de origen.


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    Esta novela cuenta la vida de Franz Anton Mesmer, célebre médico de la Viena de Mozart, que curaba a sus pacientes a través de piedras magnéticas. Uno de sus grandes desafíos le llega cuando se enfrenta al caso de una joven pianista ciega, María Teresa von Paradis ?otro personaje histórico?, quien toca para la corte y más tarde se hará muy conocida.

    Uno de los ejes narrativos de la novela, donde la música juega un papel central, es el relato de los meses de tratamiento de María Teresa y su ambigua relación con Mesmer, quien gracias a su método (popularizado como mesmerismo) logra que ella recupere la vista por un tiempo, mientras simultáneamente pierde algo de su talento. Los médicos de la corte ?que antes habían intentado en vano curar a la pianista? acusan de farsante a Mesmer, quien se muda a Francia. Unos años después, María Teresa, ya famosa, viaja para dar un concierto en París, donde vive su antiguo médico.


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    En “Selina o la otra vida” se hace un elogio de la vida que elige alejarse de la velocidad para acercarse más a las personas, los seres y las cosas.

    Stefan, un profesor austríaco de treinta y cinco años, acepta instalarse una temporada en una antigua y pequeña casa de campo en la Toscana, a cambio de hacerse cargo de los trabajos necesarios para evitar que la propiedad continúe deteriorándose. Durante este año sabático -que significará una partida- Stefan irá haciendo habitable la casa, irá conociendo a la gente del pueblo, visitará las ciudades próximas con sus tesoros artísticos y conocerá a Selina, que despertará en él un nuevo anhelo.


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    Esta novela cuenta la vida de Franz Anton Mesmer, célebre médico de la Viena de Mozart, que curaba a sus pacientes a través de piedras magnéticas. Uno de sus grandes desafíos le llega cuando se enfrenta al caso de una joven pianista ciega, María Teresa von Paradis ?otro personaje histórico?, quien toca para la corte y más tarde se hará muy conocida.

    Uno de los ejes narrativos de la novela, donde la música juega un papel central, es el relato de los meses de tratamiento de María Teresa y su ambigua relación con Mesmer, quien gracias a su método (popularizado como mesmerismo) logra que ella recupere la vista por un tiempo, mientras simultáneamente pierde algo de su talento. Los médicos de la corte ?que antes habían intentado en vano curar a la pianista? acusan de farsante a Mesmer, quien se muda a Francia. Unos años después, María Teresa, ya famosa, viaja para dar un concierto en París, donde vive su antiguo médico.


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    João Antônio ?hasta ahora inédito en lengua castellana? hace en las esferas malditas de la sociedad urbana lo que Guimarães Rosa hizo en el mundo del sertón, es decir, elabora un lenguaje que parece brotar espontáneamente del medio, pero en verdad se vuelve lengua general de los hombres, por ser fruto de una estilización eficiente.

    Considerado por sus contemporáneos como el primer novelista urbano, João Antônio consagró su literatura a la exploración de la realidad de los barrios proletarios, a la vida del submundo, a los marginados y rechazados por la sociedad. Una de las cosas más importantes de la ficción literaria es la posibilidad de ?dar voz?, de mostrar en un pie de igualdad a los individuos de todas las clases y grupos, permitiendo que los excluidos expresen el tenor de su humanidad, que de otro modo no podría ser verificada.


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    La idea general que subyace a estos maravillosos y divertidísimos cuentos es que el matrimonio se ha vuelto una farsa.

    Entre el volumen I y el presente volumen II, se reúne en total un centenar de los mejores cuentos de la popular serie de textos de este autor, que hasta ahora permanecía inédito en castellano. La vida tal cual es narra los síntomas y problemas conyugales, comenzando por la infidelidad. Rodrigues sostiene que el lazo afectivo es algo puramente formal, porque detrás acecha la desconfianza de los celos. Junto con la particular tipología de canalla que protagoniza estos relatos, existe su equivalencia femenina, la cínica, infiel por deporte y por incapacidad de amar. La maestría y la síntesis de la prosa rodrigueana cuenta a su modo la crisis del matrimonio durante la primera etapa del neoliberalismo en América Latina, después de la Segunda Guerra mundial y en sintonía con el boom del consumo en la gran ciudad.


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    En un estilo tan cuidado como lacónico y al mismo tiempo conmovedor, esta novela de emigrantes ?que elude todo patetismo? atrapa al lector combinando elementos heterogéneos que van desde un recorrido de la historia política europea del siglo XX a la superficialidad de un viaje turístico en un crucero de lujo, y de la irritación ideológica al humor ácido.

    El emigrante ruso Kokoshkin cuenta en esta novela la vuelta a su país natal, contraponiendo tres tiempos: el presente de su regreso en un crucero, el pasado reciente del viaje que ha hecho y la evocación de los recuerdos de infancia que ese viaje ha despertado. Kokoshkin es experto en botánica, muy culto y de humor inteligente. Siendo un joven debió emigrar hacia Estados Unidos y con noventa y cinco años decide emprender un viaje con el fin de visitar los lugares en los que transcurrió su infancia y juventud: Rusia y Europa. El tránsito por estos lugares no es solo un viaje por su propia historia sino también un recorrido por la historia política europea del siglo XX. El peso de este relato se intercala con la narración de la superficialidad que transcurre en el crucero de lujo que conduce a Kokoshkin desde Estados Unidos a Europa


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    “Nelson Rodrigues escribió de dos enormes pasiones brasileñas: El fútbol y el delirio amoroso. “La vida tal cual es” son relatos breves de infidelidades, incestos, pasiones y rencores, culebrón escrito a pulso firme”. David Trueba, El País.

    Aquí se cruzan el sexo y la muerte, así como la institución del matrimonio, atravesada por adulterios, incestos, celos enfermizos e hipocresías: sin imponer un sistema de valores, ni moralinas. Entonces no sólo será el gran renovador de la dramaturgia, sino también uno de los narradores más populares y más leídos de Brasil. Uno de sus grandes aportes a la literatura universal es la larga serie de cuentos ?cerca de dos mil? bajo el título “La vida tal cual es”, que publicó en el periódico Última Hora de Rio de Janeiro a partir de 1951. Varias de sus historias fueron llevadas con gran éxito al cine.


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    El narrador de “La habitación” reconstruye un día en la vida de su tío: una persona que padece un ligero retraso mental, tan ligero que podía parecer el más normal de los alemanes.

    En esta novela Andreas Maier abre un abanico más amplio de procedimientos, contenidos y efectos que en sus libros anteriores. A la distancia irónica del narrador se suma una voz menos neutra, que describe con emoción involuntaria la vida a la vez compleja y simple de alguien cuyo sufrimiento es en parte atribuible al narrador. La novela cuenta la relación del protagonista con su familia, el trabajo, la comida, la bebida, el cine, la vida en general; mientras que en un movimiento simultáneo critica con ironía esos núcleos de la cultura alemana y, en algunos casos, occidental.


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    Obra maestra y “autobiografía irracional” de João Guimarães Rosa, es la gran novela de la conciencia y la palabra, de la lucha del ser humano con su entorno.

    João Guimarães Rosa (1908-1967) es el gran escritor del siglo XX en lengua portuguesa y ha pasado a la historia de la literatura por su gran obra de 1956, Gran Sertón: veredas. Médico y diplomático, incansable lector, su obra maestra es como un minucioso retablo ambientado en el sertón, vasto territorio del noroeste de Brasil. No es una novela al uso, sino una suma de historias, un complejo relato lleno de derivaciones y de meandros. Narra la vida de un hombre del sertón, Riobaldo, pero en realidad se trata de una obra coral, con una importante presencia de la miseria, la rebeldía y el bandidaje. En cierto modo es un reescritura de la historia de Brasil, con la oposición entre lo arcaico y lo moderno, la ciudad y el campo.


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    Obra maestra y “autobiografía irracional” de João Guimarães Rosa, es la gran novela de la conciencia y la palabra, de la lucha del ser humano con su entorno.

    João Guimarães Rosa (1908-1967) es el gran escritor del siglo XX en lengua portuguesa y ha pasado a la historia de la literatura por su gran obra de 1956, Gran Sertón: veredas. Médico y diplomático, incansable lector, su obra maestra es como un minucioso retablo ambientado en el sertón, vasto territorio del noroeste de Brasil. No es una novela al uso, sino una suma de historias, un complejo relato lleno de derivaciones y de meandros. Narra la vida de un hombre del sertón, Riobaldo, pero en realidad se trata de una obra coral, con una importante presencia de la miseria, la rebeldía y el bandidaje. En cierto modo es un reescritura de la historia de Brasil, con la oposición entre lo arcaico y lo moderno, la ciudad y el campo.


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    En A cielo abierto, el autor centra la historia en un protagonista errante, que, para ayudar a su hermano enfermo, viaja en busca de su padre militar.

    La deserción del mundo, el tedio del verano en ciudades vacías y los desencuentros amorosos dan el marco a esta obra.


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    “Cien días” es una novela sobre las organizaciones de cooperación para el desarrollo y la ayuda humanitaria en países subdesarrollados y en conflicto.

    En abril de 1994 se desata la masacre en Kigali, Ruanda: un genocidio que en cien días dejó un saldo de 800.000 personas asesinadas. David Hohl, joven suizo que trabaja en Kigali en una oficina humanitaria de su gobierno, deja partir el último avión con evacuados europeos. Durante los cien días de la matanza David permanecerá escondido en su casa, sobreviviendo con las provisiones que le alcanzará su jardinero y a la espera de noticias de Agathe, la hija de un empleado ministerial ruandés, por la que ha decidido quedarse. Con ironía sostenida e implacable, Bärfuss escribe una historia donde creyendo hacer siempre lo mejor, se hace lo peor.


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    “El día de las ratas” narra angustia obsesiva del pobre empleado público Naziazeno Barbosa por saldar una deuda con el repartidor de leche.

    Con un estilo propio, absolutamente literario y al mismo tiempo cercano a la lengua oral, Dyonelio Machado (1895-1985), que escribió esta novela en veinte noches luego de pensarla y trabajarla mentalmente durante nueve años. “El día de las ratas” es una obra maestra de la literatura brasileña que fue publicada originalmente en 1935: la presente es la primera edición en lengua castellana.


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    Este bellísimo libro de Agamben incluye ensayos sobre Dante, Arnaut Daniel, Polífilo, Spinoza, Giorgio Caproni, Andrea Zanzotto, Giorgio Manganelli, Elsa Morante y Dino Campana. Las lecturas de Agamben son eruditas pero, a diferencia de las exégesis filológicas, aquí la tradición filosófica y literaria se pone al servicio de su propio cuestionamiento. ¿Por qué Dante titula Comedia su poema, que visiblemente carece de inspiración cómica? ¿Por qué, en Arnaut Daniel, el inventor de la sextina, aparece ese raro “corn” que tantos dolores de cabeza dio a los especialistas en lírica trovadoresca? Las respuestas de Agamben van a contracorriente de todas las conocidas, precisamente porque vienen de los poemas mismos: de su lengua, de su forma, de su inserción en la historia. Algunos de estos ensayos ya son clásicos, como “El final del poema”, en el que se intenta determinar cuál sería el rasgo definitivo de la poesía lírica, que la diferenciaría de la prosa. Con su conocida (hoy casi única) convergencia de saber y sutileza, el recorrido de Agamben dibuja un mapa razonado de la historia de la poesía europea, conformando un libro cuyo alcance va mucho más allá de los estudios sobre los poetas que trata: es un complejo, profundo y estimulante replanteamiento de los conceptos de poesía y de literatura en general. La traducción y el prólogo estuvieron a cargo de Edgardo Dobry.


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    Vincent Van Gogh (1853-1890) le escribió sólo a su hermano Theo mas de seiscientas cincuenta cartas, muchas de ellas de una extensión de varias páginas. En este epistolario, un testimonio desgarrado frente a la vida, Vincent no sólo volcó sus ideas sobre la pintura sino también sobre al realidad que lo rodeaba.

    En las Cartas a Theo también se percibe la evolución pictórica del artista, enmarcada en la progresión dramática que va tomando la correspondencia. Se muestra que todo cuanto él pintaba, hacía o decía era producto de una misma sensibilidad. La escritura de Van Gogh, a menudo dura y poblada de errores de construcción y puntuación, no es, en apariencia, ?literaria?, pero es absolutamente auténtica y de una extraordinaria fuerza.


    Cartas a Theo 13,00
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    Historia de una canica que tras caer del bolsillo del pantalón de un niño, inicia un recorrido a través de Barcelona que la llevará a descubrir el mar.

    Contados son los momentos en que la bolita -en la infancia del autor, los niños utilizaban la palabra “bolita” para los juegos de canicas- permanece inmóvil. Excepto cuando queda detenida en el charco, está casi siempre cambiando de lugar gracias a esa dulce pendiente que es la ciudad y que la va llevando, salvo accidente o encuentro intempestivo, hacia los barrios y calles del sur en busca del mar, del que nunca oyó hablar.


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    Un cuento sobre dos comunidades muy distintas que aprenden a celebrar las diferencias.

    Existen dos Países muy distintos entre sí: el País de Alto y el País de Bajo. Los accesos de uno a otro país no han sido utilizados en mucho tiempo, de modo que los habitantes de uno y otro país ignoran completamente a sus vecinos. Pero un día, una fuerte tormenta arremolinada mezclará las pertenencias de unos y otros, obligándolos a citarse a mitad de camino para restituirlas. Y ocurrirá que se encontrarán bastante simpáticos y celebrarán una fiesta. Y algunos del País de Alto se irán a vivir al de Bajo, y viceversa. Y de ese momento en adelante, los países comenzarán a llamarse: País de los Altibajos.


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    ¡“Héctor el hombre extraordinariamente fuerte” se agranda! Nuestro forzudo y delicado héroe, ahora llega en un formato ampliado y cuidada edición.

    Su popularidad suscita celos entre los domadores de leones y tigres, que sacarán a la luz el secreto mejor guardado –y la verdadera pasión- de Héctor: hacer tejidos. Cuando los domadores descubren su secreto, lo humillarán frente a toda la troupe, incluida Leopoldina, la bailarina a quien Héctor ama en secreto. Pero un gran viento arremolinado se llevará absolutamente todo, hasta la carpa, y Héctor será el salvador gracias a su amplio conocimiento en el arte de tejer…


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    Tungsteno cree haber encontrado algo especial bajo tierra y a Pinzón se le ocurre comenzar una excavación para encontrar reliquias arqueológicas.

    Tungsteno cree haber encontrado algo especial bajo tierra y a Pinzón se le ocurre comenzar una excavación para encontrar reliquias arqueológicas. Como siempre,Tungsteno recolectará pequeñas piezas que Pinzón despreciará por considerar que los grandes secretos sólo pueden encontrarse excavando muy profundo. Entonces, Pinzón inventará un artefacto que lo ayudará a ir cada vez más y más abajo… hasta que finalmente salga de su túnel y encuentre ¿todo patas para arriba?


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    ¡“Héctor el hombre extraordinariamente fuerte” se agranda! Nuestro forzudo y delicado héroe, ahora llega en un formato ampliado y cuidada edición.

    Su popularidad suscita celos entre los domadores de leones y tigres, que sacarán a la luz el secreto mejor guardado –y la verdadera pasión- de Héctor: hacer tejidos. Cuando los domadores descubren su secreto, lo humillarán frente a toda la troupe, incluida Leopoldina, la bailarina a quien Héctor ama en secreto. Pero un gran viento arremolinado se llevará absolutamente todo, hasta la carpa, y Héctor será el salvador gracias a su amplio conocimiento en el arte de tejer…


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    Este libro es como un paneo de cámara, ilustrado en lápiz azul, pintado con colores de un modo muy poco convencional, que cuenta una historia que puede ser a la misma vez simple en sí misma y compleja por su riqueza visual.

    Este es un cuento sin palabras: el trayecto de un hombre que parte en su bicicleta a pescar al mar. En cada página se lo ve que avanza, ignorando todos los disparates y situaciones que van ocurriendo alrededor suyo. Como una cámara que lo sigue, el lector podrá detectar muchas historias sucediendo simultáneamente, como sucede en todas las ciudades. Vidas que se cruzan, situaciones que desencadenan otras y cambios de escenario dentro de una misma ciudad.


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    Este libro es como un paneo de cámara, ilustrado en lápiz azul, pintado con colores de un modo muy poco convencional, que cuenta una historia que puede ser a la misma vez simple en sí misma y compleja por su riqueza visual.

    Este es un cuento sin palabras: el trayecto de un hombre que parte en su bicicleta a pescar al mar. En cada página se lo ve que avanza, ignorando todos los disparates y situaciones que van ocurriendo alrededor suyo. Como una cámara que lo sigue, el lector podrá detectar muchas historias sucediendo simultáneamente, como sucede en todas las ciudades. Vidas que se cruzan, situaciones que desencadenan otras y cambios de escenario dentro de una misma ciudad.


    Día de pesca 12,50
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    Quiensabedónde cuenta una historia que retrata la necesidad de tener libertad para crecer. La simpleza de la ilustración sobre un fondo cálido y la transparencia de los trazos traducen tanto la dulzura e inocencia detrás de la sobreprotección, como la confianza en uno mismo y en el devenir. La repetición en el texto de \”Un día más\” marcará el ritmo de un viaje a quiensabedónde.

    De un árbol crecen semillas que con el viento se desprenden para volar a quiensabedónde, crecer para ser árboles y poder hablar. Pero un día una semilla se queda atrás y permanece en la rama del cerezo. Y así, bajo la promesa de que la semilla podrá quedarse ?sólo un día más?, pasan los días? el árbol ya no quiere perder la compañía, pero ¿qué sucederá cuando un pájaro decide llevarse a la única semilla que nunca había volado a quiensabedónde?


    Quiensabedónde 14,00
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    Un hermoso libro mudo, repleto de detalles donde, en una típica casa, en un típico barrio, habrá una invasión de increíbles criaturas mágicas.

    Una señora mayor descubre que su casa está infestada de ¡dragones! Escandalizada, lo intentará todo con tal de ahuyentarlos: baldazos de agua fría, escobazos, veneno. Pero nada dará resultado. Hasta que un día su nieto le hace una visita: para el niño, esos seres serán divertidos y los atraerá hasta su casa, liberando a su abuela.


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    A la morsa Makö le gusta esculpir el hielo. Una bella historia que explora el tema de la creación artística y el de la ecología.

    Makö esculpe el hielo. A Makö le gusta observar el fondo del mar, y luego reproducirlo en la superficie. Ha hecho un verdadero mapa de las profundidades. Gracias a él, todos los habitantes del Polo Norte saben donde está su comida, justo por debajo de sus peces de hielo. Pero una noche CRRRAC, el hielo se rompe y las esculturas y los peces desaparecen, entonces todos los habitantes de Polo recurirrán a Makö.


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    Escrito con mucho humor y sensibilidad, esta es (¡por fin!) una historia sobre una princesa diferente, quelogrará ver más allá de los palacios y sus príncipes.

    En el reino de Valvasoria la tradición dice que a los quince años las princesas son raptadas por un dragón para ser rescatadas por un príncipe. La princesa Escarola ya tiene quince, pero es tan malhumorada, engreída e insufrible que ningún dragón se la ha llevado. Ofendida, emprenderá un viaje para exigirle explicaciones al dragón.


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    Fuera de la ley. 20 cuentos policiales argentinos (1910-1940) reúne una amplia diversidad de relatos del género policial de los más variados autores.

    Esta antología se propone ofrecer un panorama abarcador de una período casi absolutamente desconocido de la literatura policial argentina, caracterizado por una proliferación de producciones y de diferentes modalidades de relatos policiales, que incluyen cuentos cercanos a la serie negra, policiales rurales y urbanos, narraciones cercanas a la crónica policial de los periódicos, policiales clásicos de enigma, anécdotas incluidas en memorias comisarios, cuentos ostensiblemente paródicos y pastiches


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    Un panorama de los orígenes de la literatura policial en la Argentina, a partir de textos hasta aquí inhallables, entre otros, de Paul Groussac y Horacio Quiroga.

    Hacia 1914, cuando el orden universal se parece más al caos que al orden, comienza –ante todo en el ámbito de habla inglesa– la denominada “era dorada” de la literatura policial. En el Río de la Plata la representación del crimen hacia fines del siglo XIX y comienzos del XX ha ido cobrando cada vez más relevancia, y las narraciones policiales de Eduardo L. Holmberg, Paul Groussac, Horacio Quiroga, Luis V. Varela (bajo el seudónimo de Raúl Waleis) fueron ganando terreno en el ámbito argentino.


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    “Clemencia” es la segunda novela policíaca en lengua castellana, continuación de la primera, “La huella del crimen”, publicada también por Adriana Hidalgo editora.

    Fue publicada en 1877 bajo el seudónimo de Raúl Waleis, anagrama de Luis V. Varela (1845-1911), hijo de Justa Cané (tía de Miguel Cané, autor de Juvenilia) y Florencio Varela. Situada en parte en la llanura pampeana, en parte en París, “Clemencia” ofrece nuevas aventuras del detective L?Archiduc, así como una historia de su formación ?una pequeña Bildungsroman incluida?, que narra su paso por la cárcel. El título ?al igual que el nombre del personaje epónimo? busca conjurar las pasiones y violencias originarias: asesinatos, suicidios, violaciones, incestos.


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    “La huella del crimen” es la primera novela policial en lengua castellana. Fue publicada por primera vez en Buenos Aires en 1877 y desde entonces permanecía oculta. Raúl Waleis, autor de esta extraordinaria y encantadora novela, es un anagrama de Luis V. Varela (1845-1911), jurista, político, poeta, dramaturgo y novelista argentino, hijo de Justa Cané (tía de Miguel Cané, el autor de Juvenilia) y Florencio Varela.

    En el célebre Bois de Boulogne ?donde son hallados los primeros cadáveres de la literatura policial (Poe, Gaboriau)? aparece el cuerpo de una persona joven de la nobleza parisina, degollada con un cuchillo de cocina. Ese crimen conmueve a la sociedad francesa, que será aún más sacudida por la resolución del misterio. Andrés L?Archiduc ?el primer detective de la literatura en castellano, descendiente de Lecoq y de Dupin, y antecesor de Sherlock Holmes? dilucida este asesinato a partir de sutiles deducciones, y persiguiendo rastros y testigos por Lyon, Marsella y Aviñón. La París de los primeros años de la Tercera República, escenario de la mayor parte de la novela, se muestra con sus cocottes, sus paseos dominicales por la morgue y su tecnología de punta. El telégrafo eléctrico, la locomotora a vapor, la cámara fotográfica son algunos de los recursos utilizados para descifrar el enigma.


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    “La erótica del relato” reúne diecisiete cuentos de jóvenes escritores que ofrecen un panorama de la nueva narrativa argentina.

    Más que una antología, este libro se propone como una intervención literaria y cultural que utiliza estrategias de las vanguardias de principios delsiglo XX para devolverle a la literatura aquello que ésta, en su afán por sacudir esteticismos rancios y acercar el arte a la vida, terminó olvidando. Frente al imperio de la “mala literatura”, de la inmediatez y el consumismo vacuo, del desprecio de formas y de fondos, esta compilación de relatos absolutamente heterogéneos y las palabras que la preceden son un intento desesperado por guillotinar mandatos y despertar en la literatura la pasión demiúrgica dormida.


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    El odioso lector encontrará en este libro un gran conjunto de textos de autores clásicos en los que, con inteligencia y humor, se ventila el asco por la propia especie.

    Los sentimientos misantrópicos datan de la Antigüedad y llegan intactos hasta el presente. Con sus respectivas variaciones de tono y enfoque, cada época supo felizmente producir a los autores encargados de recordarnos que no somos nada, sino algo, y muy feo. Cada vuelta en la espiral del autoodio agrega una perspectiva más desde la cual asombrarnos de nosotros mismos. Nuestro caudal de cualidades repulsivas es prácticamente inagotable. Misantropía, nihilismo, escepticismo, antiintelectualismo y misoginia, todos ellos guardan algún rasgo de nobleza y por ende no han sido discriminados en esta ecuménica selección.


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    Un gran y delicioso banquete literario, organizado desde las primeras menciones sobre la comida, la bebida y el hambre hasta figuraciones acerca de la comida del futuro.

    Poco hay más común en la cultura que la comida, y sin embargo tanto hoy como en épocas pasadas fue objeto de un interés del que no están ausentes la delicadeza, la exquisitez e incluso la extravagancia. Como en cualquier tradición, en la occidental la comida ocupa un lugar central aunque no deja de suscitar reflexiones marginales o extrañas.